冰淇淋与雨声

出生于1985年的松居大悟是日本影坛近年来颇受人气的新星，他既担纲演员，又足可胜任导演，2016年执导的《安昙春子下落不明》获东京电影节主竞赛单元最佳影片提名；2017年在电影版《昼颜》中有过出演，更因执导剧集《Byplayers：如果这6名配角共同生活的话》而备受瞩目（续集同受好评）；今年推出的《冰淇淋与雨声》和《你因你是你》也收获了比较两极化的口碑，喜爱者觉得新奇有趣、富有创造力，厌恶者则认为矫情做作、故弄玄虚，而笔者在观看《冰淇淋与雨声》后甚是喜欢，几乎可视作日影近几年难得的惊喜佳作。

精妙的时空转换本片讲述的是一群年轻人排练即将上演的舞台剧的过程，从面试开始，到公演前三周的彩排初期，时间轴以倒计时推进，直至开演前最后一天、最后一小时、最后一分钟……期间，剧团虽遭遇过表演不尽人意、合作不力等困扰，但最大的麻烦是迎来被告知取消演出的晴天霹雳——只因演员们不是大牌明星，缺乏票房号召力，制作方考虑到盈利困难，遂停演。

演员们决心冲破阻挠，以自己的方式上台“演出”。

影片最大亮点是一镜到底，说起一镜到底，影迷们脑海中迅速联想到的，不外是《鸟人》、《维多利亚》、《俄罗斯方舟》、《鱼与猫》、《大空港》，以及缝合较明显的《夺魂锁》。

然而成也萧何败也萧何，一镜到底在吸睛的同时，也往往流于刻意的匠气，有时甚至为了方便、迎合一个镜头内的调度，甚至不惜牺牲叙事的流畅、构图的合理；而且不少“一镜到底”并非是天然的一个take，而是由各组长镜头联合而成，是谓“伪” 一镜。

不过，本片的“一镜到底”是「时间」与「空间」的粘合剂与转换器，它将真实的物理时间长度化为空间内的调度，巧妙实现时空过度与转场，无缝对接「现实」与「戏剧」，调度堪称精妙。

跨越几个星期的事件，如何在一个镜头内展现时间的流动？

影片以出入不同场景空间作为转场的手段，也标注出时间节点，这样既丰富了场域信息，又保持、绵延了人物在单个镜头内的情绪状态。

观看时仔细分辨是否真正的“一镜”，并未看出任何明显的缝合处，虽说影片只有74分钟，但可以猜测是进行了大量现场训练与调度指导，才能将时间点掐得如此精准，且与剧本的发展完全贴合、恰切。

如此老道的手法，于一位青年导演来讲，对影像与镜头的掌控力，对文本的捕捉力，都是相当惊人的。

因此，“一镜到底”于本片来讲，不仅是一种技术手段，更是服务于叙事推进的必要因素，唯有才保持时间流动的状态下，观众才能透过被打破的第四堵墙，真正浸入其间，体验到虚实泯灭、现实与戏剧浑然一体的共情。

梦想照见现实影片用改变画幅来作为「现实」与「戏剧」形式上的区分符号，角色言谈内容亦可清楚界定。

「戏剧」的文本内外是两个同样悲伤而激愤的故事——戏内是两个女孩与一个男孩因没有出路而丧失生之希望的悲剧，戏外是一群青年无法达成梦想的苦闷呐喊。

而在这两重结构之外，是坐在影院中观看这出戏中戏的观众们，无论是与哪一重的戏剧内容有共鸣，都自动化身为第三层的人物，通过观看与被观看，创作的界限显然模糊了。

因此，这既是观众与演出者共同的现实延宕，又更像是现代年轻人共有的一出灰暗梦境，梦醒依然没有尽头，没有未来，没有希望，声声的嘶吼与呐喊撕破舞台的帘幕。

当得知舞台剧被停演，为排练付出诸多心力的演员们决心以自身行动来抗争不公的现实，他们穿越剧院的层层阻碍，终于登上舞台，面对空无一人的观众席，演绎属于自己的戏剧。

这一刻，他们既是舞台上的演员，也是现实中的个体，当梦想在前方召唤，青春的勇气与信念燃烧的力量，终于让梦想穿透进现实。

这种信念在「戏剧」内的呼应是出走的念想，女主身处无爱可诉的环境，致使她冷漠麻木，对母亲和弟弟非常疏远冷淡，当得知唯一的好友离开小镇，她在绝望之中与朋友合伙杀了男友，准备一起逃离。

观众无法得知她曾经受过哪些伤害，才变成如今的模样，但MOROHA乐队以说唱的方式作为介入旁白，成为具有全知视野的第三方，我们可以窥见日常生活是怎样逐渐滑入虚无的深渊与无法自救的黑洞。

说起MOROHA在影片中的表现，也是褒贬不一，不过笔者非常认同这个高度风格化的举措。

伴以清澈、嘹亮、激越的吉他声，年轻一代的迷茫与反叛尽显无遗，自省的意识破壳而出，急促的弦声如跳跃的思维，是无可安放的灵魂呐喊。

“我们是拥有自我意识的宇宙。

”结尾处的陈词动人心魄，拥有光明就不会惧怕黑暗。

冰淇淋与雨声，简单直白的名字，中二病的气息扑面而来；剧情也是干脆利落：讲的是小镇里即将上演一出舞台剧，出演的是通过试镜选出的少年少女们，但是这场舞台剧中止了......在意剧透的朋友可以安心了，导演（富有深意）大大咧咧的把故事梗概打在大屏幕上，当然这跟“多年以后，奥雷连诺上校站在行刑队面前，准会想起父亲带他去参观冰块的那个遥远的下午。

”的开头差不多一个意思：人总归是要死的，但生活还得好好过，是吧？

电影画面是从一个对着镜头说唱的大叔开始的，歌词关于时间和逝去的青春。

然后是舞台剧的导演讲戏的环节：故事的开端是朋友要搬离这个小镇，讲述痛苦的回忆，人物的挣扎，目的是描绘青春期的疼痛。

接下来随着画幅的拉宽，电影正式进入了剧场模式（少年少女们排练戏剧的镜头）画幅的切换贯穿了整部电影，作为电影中发生的事和电影中的戏剧里发生的事之间的界限，在切换的多次重复后，这个界限逐渐变得模糊，作为观众一不留神就被带入不同场景中的表演。

加上演员们透过屏幕直接对着观众的视线和独白，进一步淡化了观众和屏幕的边界。

你我是在和电影中的演员看着同一场舞台剧，观众被拖入与电影中的现实那个维度。

所谓剧场效应，在现实生活中表现为，人们习惯通过一个画面隔开一段距离去观赏别人的喜怒哀乐，生活被戏剧化，本身成了一座大剧场，人既观剧，亦被动演剧，在不自觉状态中被彻底异化，抛出了自我，生活于别处，人们的生活处于佛教所说的“依他起性”的状态而没有自性。

作为梦的延续，被选中的少年少女们意料之中的上演了一场硬闯话剧场的大戏。

记得某个伟人说过“梦想总是要有的，万一实现了呢？

”，导演的套路还真的是母猪带胸罩，一套又一套啊。

虽然说在所有令人绝望的结局中，“幸福的结局”是最最令人绝望的结局，还是让人忍不住的想看一眼梦实现了的模样。

同时，让观众去回溯，如果舞台剧最终没有上演的预设被打破，那么历经的这一切会不会有完全不同的意义。

如同，早已分手的恋人和多年的老夫老妻去回想从初见到相爱的点点滴滴。

然而，强撸的春梦不甜。

当你踌躇满志的踏上舞台，发现面对的是空荡荡的观众，所有注视的目光，赞赏的掌声全都来自你自己的想象。

如同某人死了，却不愿意死去，他不断归来，刺痛着生活的鼻息。

如同哈姆雷特的父亲，活死人的归来是为了提醒活着的人去清偿未完成的债务。

梦想的第一次死亡是被现实撂倒，梦想的第二次死亡是被我们亲手掐死，这时候梦想才真正死去。

原发布于我的个人公众号：久石乞。

了解一下？

很少粉的公众号：久石乞

青春和励志题材的电影，二选一，你选哪一个？

不了吧，我选择睡觉。

老实讲，近年来这两个题材的电影确实让我踩了不少雷。

如果一部电影敢把青春和励志加在一块，要想拍得不难看，其难度不亚于用新闻联播的稿子做剧本拍武侠片吧。

可万没想到，这部青春励志片《冰淇淋与雨声》却把我看感动了。

除去电影故事本身，更让人惊喜的是它的拍摄手法和表现形式。

《冰淇淋与雨声》海报2017年3月，日本小镇，一出舞台剧即将上演，但这场舞台剧终止了。

故事的结局赫然写在了电影开头。

演出前一个月。

被选中参演舞台剧的六位学生演员第一次相聚排练，这场舞台剧的导演是松居大悟，他也正是这部电影《冰淇淋与雨声》的导演。

不仅如此，片中所有角色的名字都是演员的真实姓名。

导演松居大悟舞台剧讲述六个朋友中有人要搬离小镇，其余人极力挽留，借以追述痛苦的回忆和青春时期的挣扎，改编自话剧大师尤金·奥尼尔的《早餐之前》。

但这不重要，重要的是六位演员出演这出舞台剧的过程。

电影以舞台剧排练开场，导演一声令下，排练开始。

这个时候注意看电影画幅的改变，画面的上下方迅速出现两块黑色幕遮，画幅由正常的16:9转变为宽幅的2.35:1。

第一段的排练结束后，导演喊了一声“停”，画幅又再次变回2.35:1。

这种转变像是事先制定好的游戏规则，用以区别舞台剧与现实，提醒观众别混淆了。

在画幅上做文章的电影不在少数，比如冯小刚的《我不是潘金莲》选用了4:3和圆形画幅；贾樟柯在《山河故人》和《江湖儿女》分别用了4:3和16:9两种画幅，区别九十年代和现在。

我不是潘金莲 (2016)6.72016 / 中国大陆 / 剧情 喜剧 / 冯小刚 / 范冰冰 郭涛不过，画幅变化玩得最有诗意，也最令人印象深刻的当属多兰的《妈咪》。

男主用手扒开屏幕，画幅由4:3缓缓变为16:9，也暗合着剧情里新生活的开始。

这是一个天才镜头。

《妈咪》

妈咪 (2014)8.22014 / 加拿大 / 剧情 家庭 / 泽维尔·多兰 / 安娜·多尔瓦尔 安托万-奥利弗·波尼安除了打通舞台剧和现实的结界，电影偶尔还会打破第四堵墙，让演员冲着镜头外说话，让人分不清这是在排练还是在自我拷问。

打破第四堵墙舞台剧的剧情外延至现实，影响着演员的生活。

除画幅的改变，电影在表现形式上也有亮点。

一是在同一时空下表现时间的流逝，二是通过乐队的演唱作为主人公的内心旁白。

演员森田低头看剧本，再抬头时，身后的场景已然置换一新，时间也往后流逝了一周。

这有点像舞台剧的转场。

这种将时间铺开在时间轴上瞬时跳跃的做法，最典型的例子在王家卫的《花样年华》中。

张曼玉与梁朝伟在饭馆用餐，镜头在横移后，注意看张曼玉已经换了一身旗袍，说明这不是二人的第一次约会，但视觉上给人的感觉就像这还是之前的那顿饭。

《花样年华》

花样年华 (2000)8.82000 / 中国香港 / 剧情 爱情 / 王家卫 / 张曼玉 梁朝伟《冰淇淋与雨声》的音乐制作是由日本乐队MOROHA完成的，他们出现在镜头内，将人物内心的想法具象化，用歌唱的形式表现，代替了传统的画外音旁白。

日本乐队MOROHA之所以这么做，一是大胆创新，二是为了保持连贯性，因为这部74分钟的电影只有一个镜头。

是的，74分钟的长镜头，一镜到底。

这也是电影又一亮点。

在日复一日的排练中，每个演员的状态都被调动了起来，都把这出舞台剧当作了自己的一个小小梦想，彼此间也结下深厚友谊。

有人错过了末班车无法回家，所有人就留下来陪他一起办了个party。

在停电的夜晚，所有人便席地而坐，围着烛光开玩笑，聊梦想，就像顾城的《波兰来客》里写的那样，“那时我们有梦，关于文学，关于爱情，关于穿越世界的旅行”。

旁白在唱着：“我们真的很幸福了，有大大的梦想，有能谈论梦想的朋友，虽然没有女朋友，但酒真好喝。

改变这错综复杂的世界，掀起革命，推翻黑暗。

”

然而，就在演出一周前，所有人却被告知，演出被迫取消了。

因为预售的情况非常不理想，主办方不做亏本买卖，终止了这场演出。

这无疑是晴天霹雳。

沮丧和哀怨写满了每个人的脸，也有愤怒，也有不甘，但冷静下来后细想，更多的还是无奈，对现状的无奈，对自己无力的无奈。

为这出舞台剧倾尽所有的女主角森田看着一个个离去的同伴，内心的想法是：在有限的岁月里，我想要尽情地享受这被赋予的生命。

梦想不会来到你身边并实现，梦想只有努力追逐才会变为现实，是否能够实现并不重要，只要有梦想人生就能熠熠生辉。

于是，即使在被告知无法上台演出的情况下，森田仍然对留下的伙伴们说，来，一起来排练吧。

距离之前定好的演出时间还剩2天，森田召回了所有人。

就像青春校园版的复仇者联盟，他们又聚到一块儿了。

“既然剧院不让我们演出了，那怎么办？

只好硬闯了”。

演出当天，大家在完成最后一次排练后，撬开了剧院后门的锁，溜进了剧院。

这个时候乐队的旁白是：拜托大家了，请听一听。

但实际情况是，台下空无一人。

演出前一分钟，画幅再次出现轻微变化，仔细看，上下两块黑色幕遮正在慢慢消失，在那一刻，舞台剧和现实融为一体。

对于这些被选中的孩子来说，这出舞台剧，就是他们当下全部的人生。

“虽然不知道什么是现实，但很有意思”。

哪怕台下空无一人，这场演出，也要微笑着演完。

负责旁白的乐队声嘶力竭地唱着：“饮下亿万滴眼泪，幻化成决心的话语将其吐出，经历亿万场风雨，亿万朵花凋零散尽。

即使如此，也拼上一生一次的生命，绘出生命的色彩。

时间会湮灭一切，但这份热情可以被保存，一看到就可以回想起这份热情，可以回想起那处风景，可以不让任何人发现，可以出演这场舞台剧，可以燃烧这个剧院，还可以把烧毁的剧院修复如初。

”

这是属于所有演员们的少年心气。

登上舞台，这是梦想的实现；没有观众，这也是梦想的破碎。

但无论如何，这份努力过的热情不会消失，在日后回想起，还是会露出笑容。

对于这些演员来说，他们最光荣的时刻，就是现在了。

至此，电影结束。

不同于一般电影，这部电影的名字直到最后才出现—《冰淇淋与雨声》。

冰淇淋与雨声，这都是美好但容易速朽的东西，一如短暂而绚烂的青春。

即使这些终将被时间带走，但冰淇淋留下的清凉，雨后留下的彩虹，青春过后留下的美好回忆，都将被铭记。

用导演松居大悟自己的话说：“雨声就好像剧场里的掌声，而冰淇淋则是把演员拉回现实的物品。

”将这两种物件并置用作片名，正如舞台剧和现实、电影和生活的同构。

日本这一类热血中二的青春励志电影对观影君很有杀伤力，类似的还有电视剧《火花》，电影《垫底辣妹》、《五个扑水少年》、《唇上之歌》。

《五个扑水少年》海报

五个扑水的少年 (2001)8.32001 / 日本 / 喜剧 运动 / 矢口史靖 / 妻夫木聪 玉木宏虽说是青春励志电影，但不会无由来地打鸡血，也没有故作感伤，对成功也没有病态的渴求，没有冠冕堂皇的说辞，有的只是一股傻劲，和青春时期不服输的愣。

你能从中，看到属于自己的故事，这是最难能可贵的。

青春正好，与命运的这局棋，我是先手，且会全力以赴，不让半子。

哪怕最后被杀到片甲不留，也绝不会中途主动投子认负。

微信公众号：陪你观影（ID：peiniguanying）

「时间能解决一切 无论是失恋屈辱或是后悔 都能靠时间解决 所以我只是吃饭呼吸洗澡睡觉 仅此而已 然而 为什么我 为什么你还是 拼命想要抓住这份稍纵即逝的情感 为什么 为什么」「请不要因为失落而原谅自己 和只会苦恼的自己作斗争很无耻 这只是为了说服自己而做的样子吧 分析弱点做出总结 理应比昨天更进一步 为什么 是错觉 不如说是恰恰相反 我一步都没有向前 原地踏步 只有时间在流逝」「时间啊 时间可以解决一切 失恋屈辱后悔全都会在时间中得到解决 以前也是这样过来的 憎恨疼痛苦楚 甚至连有过的梦想 嫉妒过的对象 无法转交的思绪 时间都会一一解决 将之化为乌有 这样就可以了 这样就放下了 这样应该就好了 但是我还是不想这样 还是不愿这样 因为那些东西都是属于我的 因为再坏再不堪 也是我的一部分 还给我 还给我 让时间带走一切你甘心吗 还给我 都还给我」

十年过后，一切都都化为虚有。

大家都想听到神的话语，但这也是不存在的，大家都想在黑暗中拥有一束希望之光，这也不存在。

吸进亿万句叹息 幻化成希望的语句将其呼出 饮下亿万滴眼泪 幻化成决心的话语将其吐出经历亿万场风雨 亿万朵花凋零散尽即便如此 也拼上一生一次的生命 绘出生命的色彩吸进亿万句叹息 饮下亿万滴眼泪经历亿万场风雨 亿万朵花凋零散尽即便如此 也拼上一生一次的生命在心中绽放的花朵 名为火花只要活着 喊出花语拼上性命 绘出生命的色彩时间啊 时间可以解决一切失恋 屈辱 后悔 全部都会在时间中得到解决以前也是这样过来的憎恨 疼痛 苦楚 甚至连有过的梦想 嫉妒过的对象 无法转交的思绪时间都会一一解决 将之化为乌有这样就可以了 这样就放下了 这样应该就好了但是我还是不想这样还是不愿这样 因为那些东西都是属于我的因为再坏 再不堪 也是我的一部分还给我 还给我让时间带走一切你甘心吗还给我 还给我都还给我对不起爸爸 给您添麻烦了对不起妈妈 害您担心了过年我也不打算回家了毕竟没有一件能挺直胸膛汇报的事啊数到十并不会就结束人生往后还有十一和十二在等待我都知道 但还是让我再稍微尝试一下吧像“放弃”这样令我憧憬的词语还是很想日后有说出口的勇气的这是只有能直面严寒的家伙才能脱口而出的话我尚且还不具备那个资格吧所以 现在我还不会说什么“丢弃梦想”因为心中没有盛放它的垃圾桶啊想要最后漏出笑容 不对我想要一直笑到最后

《冰淇淋与雨声》是十多岁会喜欢的电影。

它追求实验，仿佛无限回旋的阶梯，或者是镜中镜，探索无数次映射之后留存的真实。

故事取材于导演和演员们舞台剧演出夭折的真实经历，演员全部采用真名演出，又采用戏中戏的形式，一镜到底的拍摄手法愈加模糊了现实、戏、戏中之戏的边界，是一场大型的以现实为对象的艺术实践。

它具有舞台剧的特质，它讲的也是舞台的故事，这是先锋的、在舞台与电影交汇处的探索。

整部电影就是一个长镜头，摇晃的、连贯的镜头，需要舞台剧般一气呵成的情绪。

电影镜头的调度、镜头的远近又让视角移动、聚焦，令人拥有一种奇异的在场感。

整个观影体验是全新的，颠覆性的，甚至让人微微地不适。

故事中心非常简单，讲述的是一群年轻人如何不畏挫折，追求自己的舞台梦。

更确切地说，是当自我意识觉醒的年轻人，下定决心要将内心的冲动变成现实时，内在世界与外在世界如何发生碰撞。

青春埋藏了太多危机四伏的种子，如戏中戏里盘旋与三人之间的微妙情感酿成的杀人案，如逝去的母亲让一切跟之前都不一样了，如内心的愤怒让人幻想炸掉这一切。

所有的危机被放在了戏中戏里，戏中戏让这个略显无聊的追梦故事更加立体了。

追梦故事，这就是为什么说这是十多岁会喜欢的电影。

它的立意未免有些单薄，甚至扁平。

当作为旁白与补充的摇滚歌手开始咆哮的时候，尴尬开始蔓延。

它像那种颇有才华的学生导演的先锋作品，充满了缺点，和毛手毛脚的探索。

然而它因青涩而显得真诚，因一种不加掩饰的野心勃勃，而显得格外可爱。

我想，这不仅仅是一部导演和编剧的作品，而是所有演员与导演一起最大限度参与了创作的作品，它所展现的是他们对于艺术与现实的观点。

艺术与现实难以区分，在戏中饰演演员的演员们随时随地就可以演起来，以这种行动他们表明，艺术是一种生活实践，舞台上的他们同时也是生活着的他们。

其实，在整个观看后期已经有点厌倦，然而最后一幕竟然令人有些感动。

当所有的演员站在舞台上，面对空无一人的观众席，电影到这个时候就结束了，除了它没有，以纪录片的方式又进行了几分钟。

电影结束了，站在舞台上的演员松弛下来，完成了一种身份的转换。

这种转换如此自然，”咔嚓“，某种东西断裂了，什么东西还在继续转动着，我们从戏中的空间坠入现实的空间，这时我们看到了创作人员本身。

戏与现实区分，戏与现实不分，究竟什么是戏，什么是人生？

我喜欢电影中的一句话：人是有意识的宇宙。

因此人要表达，创作，并且被看见。

在僵死的、无聊的重复和重复的无聊的篇章中，我渴望看到真正的人与真正的表达，这才是真正的文艺。

虽然电影节还没有结束，但这部电影却是遇到的一份惊喜，很可能是最大的惊喜。

观影过程也同样精彩，坐我旁边的小哥哥开场不到十分钟愤而离席，另一侧的友人早已被镜头晃晕，而我，沉浸在这个中二气息浓厚的美妙梦境里热泪盈眶。

在短暂的71分钟的时间里，所感受到的艺术体验确丰富多彩。

像是在看一部关于舞台剧演出的电影，又像是看一部关于话剧排练的纪录片，再或者像是看一部影像化全景式的舞台剧表演。

这重重的梦境交织在一起，打破了艺术门类之间的壁垒，带来了实验性极强的迷人色彩。

电影 当然，这是一部彻头彻尾的电影，手中的电影票可以坚实的证明这重身份。

“戏中戏”的设计也极其巧妙，将话剧的内容和排练中的演员交织在一起，通过不同画幅的转换，编织了一出情绪饱满连贯的戏中戏。

梦想啊失落啊，故乡啊逃离啊，所有悸动得的偏执的属于青春的姿态，这里都有。

纪录片 当女主角打破第四堵墙面对镜头说话的时候，当男主角怔怔地直视着前方与我的目光相触的时候，一种纪实的质感铺面而来，仿佛是一群舞台剧演员在排练过程中的种种情绪，被我在银幕上观看者捕捉着。

在加上晃动的一镜到底的设计，这种真实粗粝的质感越发强烈

舞台剧 这是一部将舞台剧的电影，但为什么不能说是一部舞台剧呢，一部“影像化全景式的舞台剧”。

这个蹩脚的名字是我胡诌的，但在这部电影中似乎看到了一种更广阔的的戏剧可能。

现在的我们有“大型情景舞台剧”，有“浸入式戏剧”，那是不是也有一种可能，能够坐在剧场里，看一出中心舞台与剧场外实景（影像拍摄）相交的戏剧呢，打破剧场和置景对戏剧的限制，用把戏剧带入更广阔的维度。

就在结尾，银幕上六位主角在谢幕的那一刹那，我仿佛感觉自己置身于剧场当中，刚刚看完一场情绪饱满的话剧表演。

从这样新奇的体验中，期待着未来的更多可能。

另外： 非常值得一提是MOROHA的音乐，虽然不甚了解，却意外的很受感染。

这种歇斯底里地呐喊和青春的气息非常契合。

也正由于这种中插的音乐，更加强化了影片带了的舞台剧质感，仿佛在看一场孟京辉式的先锋戏剧，

现实 查询影片资料的时候发现，现实中的演员名字正式影片中所用的名字，同时也像影片中戏剧导演所说的“要在排练的舞台剧中用你们真是的名字”。

这重重的交互，暗含着艺术与现实的互文的关系，更加令人着迷。

电影、纪录片、舞台剧、现实，四重梦境共同营造了一场美妙的艺术体验。

在这样一趟电影旅程中，艺术的壁垒和隔膜被打破，引导着我们去探索无限的新的可能。

好久没有看过这么尽兴的电影了。

74分钟一镜到底。

不用在意故事细节，但完全能融进演员们的情绪里。

电影演员、电影中的舞台剧演员、电影中舞台剧的角色都是演员本名，现实和剧情的界限模糊但立体。

台词又燃又丧，MOROHA的拉普真的很搭作品。

（拉普喊得越大声观者哭得也能更大声（褒义「时间会解决一切，将之化为乌有。

但是我还是不想这样，因为那些东西都是属于我的。

因为再坏，再不堪，也是我的一部分。

还给我！

还给我！

让时间带走一切你甘心吗？

」「“太好了。

真的太好了。

”得让自己强大到能说出这样的话。

」（把艺术视为梦想的人，为了目标拼命的人，真是太浪漫了。

（松居导演拍拍热血挺好的，「安昙春子下落不明」那种有点无病呻吟的意义不明……（后悔经过下北泽的本多剧场门口无数次都没有进去过（每个人都是有意识的宇宙（果然，年轻真好啊（因为字数超了几个就直接放影评了……（快毕业啦，但是没毕业之前，我还是觉得能追梦的话，真好。

导演很有想法，一镜到底打破时间界限，新颖地表达了一个记录式的故事，整场电影拍摄完感觉就像一出舞台剧，这也得益于导演多尝试不同表现体裁以及和不同工作的人合作获得的各异灵感。

个人感觉但这部影片的硬伤在于形式大于内容，演员的演技还无法做到快速转换，所以戏里戏外感觉略显僵硬（也有可能是导演故意表现剧中人物的表演功力不足），情绪与思想的输出到位，但是感觉说唱部分太过，不仅接受不了这种揪心的表达，也感受不到他传达的思想。

【一篇非常个人向的影评+十级剧透】因为我特别喜欢《俄罗斯方舟》，所以我是冲着“一镜到底”的噱头来的，我觉得《冰淇淋与雨声》的创作风格十分先锋，尤其是歌队的个人诉说，加上剧本里所编排的剧情，按理来说连《恋爱的犀牛》都觉得吵闹的我应该不会喜欢这样的电影，但我也有过排戏被推掉的经历，也算感同身受了。

【主要内容】讲述六个通过试镜来排戏但戏被推了但仍坚持要演完话剧的故事。

【拍摄风格】运镜流畅，调度有序，时间线的转变十分巧妙，但是其实它的长镜头我觉得更多的还是炫技。

导演想赋予镜头技巧去表达的是虚与实间模糊的界限，所以导演有用画幅来提醒观众。

而对于长镜头，炫技之外的意义我想可能在于戏剧之中不存在蒙太奇，而电影所讲述的故事就是排戏。

【虚实难辨】虽然戏与真实之间有画幅的提醒，但是在剧中的戏里演员的名字就是在剧中的名字，而这也是真实演员的名字，可谓戏中戏中戏。

而且这幕戏不是在真正站上舞台才演给大家看，而是在排戏过程中展开对剧情的讲述，这种艺术形式更能表现他们对演戏和梦想的执着和认真。

还有结尾，六个人到剧院看到的有人替他们遏制工作人员且有很多观众，他们上台后，台下空无一人，却有着如同雨水打击在屋顶的声音。

森田想的几次在剧中说“我想这不是真的。

”这就是导演在模糊虚与实的界限，青春本来就是朦胧的。

【中间我要穿插两个小吐槽】1.戏的剧情，这种剧情我是观众我也不会去看：｛第一幕｝她的朋友怜子觉得这个小镇的生活好无聊要离开这，森田想把弟弟柚的随身听（可能误）送给了怜子。

男友伟登的深情表白。

｛第二幕｝柚找森田想要随身听，并且告诉姐姐妈妈已经奄奄一息了。

｛第三幕｝森田想一个人的独白、关于她与垂危的妈妈。

｛第四幕｝森田想让男友伟登在怜子走之前三个人一起3p并且和怜子一起杀死了伟登。

｛第五幕｝森田想跟好友红甘说如果伟登找到红甘就说森田想昨晚和红甘在一起。

红甘给森田想讲她和丈太朗去逛动物园的事。

｛第六幕｝柚告诉森田想妈妈死了。

｛第七幕｝森田想向丈太郎表白并且以自己母亲去世来博得同情。

2.当有人来说没有人买你们的戏所以不用演了的时候我好想建议他们录个NTLive，但是当我知道他们戏的完整剧情之后...【歌队的设置+结合剧情解读】这个最吵闹最先锋的存在，其实他（们）的7次出现都是对剧情起推进作用或者相互呼应的。

｛一｝“时间能解决一切，无论是失恋，屈辱或是后悔都能靠时间解决...为什么还是想要拼命抓住这份稍纵即逝的情感。

”就是与主旨、结尾的呼应：坚持梦想，不能放弃，即使无论做什么都不会有改变，但是就不能等时间来化解。

｛二｝“...说起来今天的聚会气氛超热烈...但我们真的很幸福了，有大大的梦想，有能谈论梦想的朋友...”就是在说一起坚持梦想的朋友嘛。

然后“...突然袭来的空虚感...那感觉也太糟了吧...我要出发了，居酒屋不是我生命的意义，还有不得不去实现的梦...”这个时候大家都围着一圈进行团建，这时候森田想是坐在大圈之外的一个突兀存在，她爬起来要离开这里去找柚对戏。

“现实艰难黑暗，但仍比想象耀眼...掀起革命，推翻黑暗。

”就是对接下来剧情走势的暗示。

｛三｝告诉大家戏演不了之后“2015年的富士摇滚节，是我没能触碰的大舞台。

”与戏不能演对应。

“...曾经追逐梦想，现在被梦想追赶...职场中的伦理道德比任何都真实。

”算是对现实和命运的自嘲了，提到了职场我感觉是要趁青春搏一把，坚持梦想，放弃就留到以后无法抵抗的时候再说吧。

“只要有梦想人生就会熠熠生辉，梦想不会来到你身边并实现，梦想只有努力追逐才会变成现实，是否能够实现并不重要。

”第一句让我想到《被嫌弃的松子的一生》里说的『小时候谁都以为自己的未来熠熠生辉，可长大后才发现没有一件事遂你的心愿』我感觉这种设置就是为了告诉大家，成人世界是复杂的，那时我们无法摆脱命运，可我们现在还年轻，还有机会反抗，应该坚持梦想。

｛四｝“请不要因为失落而原谅自己，和只会苦恼的自己做斗争很无耻...分析弱点，做出总结，理应比昨天更进一步，我一步都没有向前，原地踏步，只有时间在流逝。

”反抗不反抗，时间都在走，与其和自己斗争不如和命运斗争。

｛五｝“班会上竞选班长，毛遂自荐的我，输给了朋友举荐的对手，现在还记得全班向我投来的嘲笑眼光。

如果你也是这样一群人，请你们继续用这样的眼神来看他们吧。

”接下来讲的就是他们反抗的故事，我觉得这里和《他其实没那么喜欢你》的开头有着异曲同工之妙，都是对旁人的讽刺，这里就是讽刺那些自己没有能力却还去嘲笑那些失败但却是勇敢者的人。

｛六｝“好感激你们能有幸听到我们的诉说，我们是抱着敢说出这样的话的心情来登台的。

”这应该是一段歌队在演出前的报幕，接下来就是演员上台，空空如也的观众席，却有如雨水击打屋顶似的掌声。

｛七｝“...即便如此，拼上一生一次的生命，活出生命色彩...时间会浇灭一切，唯有热情不会改变。

无论做什么的都不会改变，虽然时间会化解一切，但是我不想这样，那些都是我的，再不堪也是我的，还给我。

”无论做什么都不会改变是《牯岭街少年杀人事件》，而同样作为青春片的《冰与雨声》就是想告诉我们要反抗吧，但是全片都在讲这个又略显单薄。

【一些个人向的感受】我觉得我和森田想在她的第二层身份（现实的演员森田想是第一层，剧中的森田想是第二层，戏中的森田想是第三层）是有共鸣的。

我在为学校的戏剧节选送节目时排了一部改编自中国唱诗班的短片《相思》为话剧，与《麦克白》竞争，我们的话剧被推掉了，当时也是非常不甘心，甚至还在课堂上与对方剧组起冲突。

因为我是组织者，尽管他们也很爱这部戏很尽责，我但对于这个话剧的心血肯定是多于其他同学，而这部戏就是以森田想为中心的，所以我觉得森田想在这个团队中的地位是与我在我这边是一样的，所以她会在别人团建的时候因为责任感偷偷跑去排戏，但又会享受集体的美好和大家一起party。

不过我的反抗适可而止了，她们的这股劲儿挺令我羡慕的，所以接下来的挑战，趁我还年轻就不要轻言放弃了吧！

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