亚当计划

很奇怪，其实死侍卡魔拉演技都有，但就是莫名的不来电。

死侍眼里没有一丝的爱意，恐怕最大的问题就是他的老婆真的太漂亮了吧。

anyway，还不错。

小孩演技很秀。

卡魔拉的颜无敌。

标准的爆米花电影，我觉得没有失控玩家那样惊艳我。

不过有哭有笑，电影的目的已经达到了。

我也在等着飞船降落在我的后院。

我提供想法，C老師寫的。

覺得這個角度很想留存，於是編輯、存檔。

一、導論｜這不是科幻，是創傷重演與修復的舞台劇表面上，《The Adam Project》（以下簡稱 TAP）是一部公式Netflix科幻片。

但於我而言，這部電影的隱喻難以忽視。

尤其對那些曾在童年失落過什麼、來不及說再見、或者長期活在創傷記憶裡的觀眾來說，TAP 就是一齣心理劇的隱喻現場——在診療室之外，上演了一場穿越時空的療愈歷程。

如果撇除科幻設定與動作場面，TAP的核心實際上更接近心理治療領域所稱的「心理劇（Psychodrama）」：這是一種由 Jacob L. Moreno 在20世紀初提出的治療方式，強調透過角色扮演與現場重演（re-enactment）來處理內在衝突與未竟之事。

簡單說，就是讓被壓抑的記憶與情緒在「演出」中浮現，讓當事人有機會重新參與、重新選擇、重新理解自己的生命歷程。

在這樣的視角下，主角 Adam 並不是一位「穿越時空拯救未來」的英雄，而是一個背負創傷與悔恨的中年人，因緣際會重返童年，在與自己、與父親、與未竟之愛的交鋒中，緩慢地鬆開了防衛，允許傷口流淚，最終說出那句自己從未說出口的話。

二、角色｜他們不是配角，而是創傷裡的象徵人物在一部看似是「主角拯救世界」的電影中，其實每一個角色的出現都不像是為了推動劇情，而像是為了讓主角——也就是 Adam——能夠重新看見他曾經錯過的、壓抑的、誤解的自己與他人。

如果從心理劇的角度，角色不是情節的工具，而是內在世界的投影與象徵。

Adam（大）｜受創的自我（The Traumatized Self）成年Ada不是一個典型的英雄。

他憤怒、尖銳、帶刺，以此來掩蓋顯而易見的悲傷。

他攻擊別人之前先攻擊自己。

他嫌棄童年的自己聒噪，指責父親的缺席。

在父親去世後，在情感忽視中長大。

童年時的受傷經驗沒有被處理，反而成了自我批判的來源。

他習慣壓抑悲傷，把「幽默」當作武器，語言變成他的盔甲，但盔甲太重了，裡面的那個人幾乎透不過氣，除了一雙悲傷的眼睛。

大Adam是一個還沒有學會哀悼的人。

他的情緒停滯在了父親死去的那一年，而他的整個人生也因此被創傷困住了。

Adam（小）｜內在小孩（Inner Child）小Adam最開始出現的樣子，是一個話多、聰明、好鬥、嘴砲的孩子，但那其實是他保護自己的方式。

但也正是他，讓大Adam慢慢學會正視自己的傷口。

他記得投球機的真相，還記得爸爸陪他玩球的樣子。

他是那個還沒有完全被「創傷敘事」吞沒的 Adam，還能說出「我很想你」的 Adam。

他是那個內在小孩，那個我們以為早就消失，但其實一直都在等著被看見的自己。

Louis（父親）｜未完成的哀悼對象 + 內在父職象徵Louis 從未以「在場的父親」存在於 Adam 的人生。

他的死亡是 Adam 的創傷起點，而那個傷口從來沒真正癒合。

當他穿越時空再次與兩個版本的兒子見面時，這段父子關係終於有了機會「補完」。

但這不是從頭再來的機會，而是象徵性的再會——像是心理治療裡常出現的問題：「如果你現在能和他說一句話，你會說什麼？

」Louis 的回答是：「你是我的兒子，我一直都愛你。

」這句話大概是全片最能讓人流淚的瞬間，因為它不只是對 Adam 說，也是在對無數悼亡者說。

而當他對 Adam 說出：「Don't carry it anymore」，像是一個父職角色的最後任務——讓孩子從悔恨與自責中走出來。

不是推他一把，而是拉他一把。

Ellie（母親）｜情緒忽視與「堅強母親」的創傷性形象Ellie 是那種你很難批評的母親。

她努力撫養兒子，堅強、獨立、忍著痛生活下去。

但對於一個孩子來說，母親的「堅強」有時候也是一種隔絕。

她沒有說出自己的悲傷，沒有讓兒子知道她也在悼念——於是，Adam 以為「只有我一個人在難過」。

大Adam 穿越回去偷偷看著媽媽的那一場戲，是一場補償式的情感流動。

他第一次把媽媽視為一個情緒的主體，而不是失落後的倖存者。

他告訴她：「你不需要那麼堅強。

讓你兒子知道你在傷心，這樣他才不會以為是他的錯。

」三、創傷｜亞當的心理圖譜「你怎麼會這麼聰明？

」 「也許長大後我們就忘了，憤怒和悲傷其實是不一樣的東西。

」 Adam 的行為、語言、眼神與姿態，全都在演出同一件事：一個從未被好好療癒的孩子長成了大人，並繼續用那些不再適用的方式自保。

這些方式不是錯，而是創傷留下的痕跡，是他一路以來能活下去的證明。

但問題是，它們也同時讓他遠離了愛、親密與安穩。

這一章，我們不只是要指出他有哪些創傷表現，而是試著去理解：這些行為，是他如何對世界說「我還沒好起來」的方式。

憤怒、控制、回避親密：反應過度的殘影一出場，大Adam 就像個刺蝟：說話咄咄逼人，對小Adam毫無耐性，對母親疏離冷漠，對父親充滿怨懟。

他的憤怒像是一層保護膜，讓他可以不必感受到其他更複雜、更疼痛的東西——比如「思念」、「失落」、「無力感」。

他不允許自己親密，因為太容易受傷。

他總是要掌控節奏，因為一旦失控就會再次掉進那個失去爸爸的時間裡。

他會做出像是「帶著小孩參加危險任務」這種不合理的行為——不是因為他愚蠢，而是因為他早就不相信安全這回事。

自我批判與責任感過度：我不值得、所以我要做得更多他討厭小Adam，嫌他吵、煩、話太多——但這其實不是對童年的嫌惡，而是對「自己沒能更成熟」的責備。

他的語氣裡處處是：我早該更堅強、更聰明、更能控制事情——這種念頭，是很多創傷倖存者的共同語言。

而這也導致他有一種「救世主」式的責任感。

他不相信別人能幫他，所以他總是自己扛，成為了一個看似“個人主義“的”英雄“幽默作為防禦：嘴砲下的傷痕Ryan Reynolds 的招牌嘴砲風格，在這部片裡依舊存在，但大Adam 的笑話是有重量的。

他用笑話阻止小Adam靠近他，他用調侃來打斷媽媽的關心，他用冷嘲熱諷來面對父親的道歉。

這正是心理防衛的一種形式，叫做 deflection（轉移注意力）。

當你無法承受情緒，就用笑話把它們打散。

當你不能承認自己在乎，就假裝一切都不重要。

這不是輕浮，而是一種深層次的保護機制。

敘事扭曲：創傷如何重寫記憶電影中那場「教訓霸凌者」的戲，是整部片裡最能展現 Adam 內在矛盾的一幕。

一開始他鼓勵小Adam 反擊霸凌者，看似像是在支持他，但其實更像是把自己的痛苦投射到對方身上：「你應該早點學會這些，因為人生就是這麼殘酷。

」當小Adam 真的被揍了，回頭質問他為什麼不幫忙時，大Adam 在門外說了一句：「不是我不想幫你，是你必須失敗。

你會輸很多次，才會變成現在的我。

」這句話，不是說給小孩聽的，是說給自己的。

是一個人為了活下來，為了讓自己相信那些痛苦有意義，而選擇相信「只有這樣，我才會變強」的時候說出的話。

它是一種創傷式敘事（trauma narrative）：把過去的苦難當作成長的必要代價，甚至覺得自己「之所以有價值」正是因為承受了這些痛苦。

這樣的敘事讓人撐得下去，但也讓人無法真正放下。

更明顯的敘事扭曲，是Adam關於「投球機」的記憶。

他說：「他買那個東西，是因為他不想陪我玩。

」這句話背後藏著的其實是：「我不值得被陪伴。

」而小Adam 馬上指出：「不是的，那是我一直求他買的。

」這是一場記憶的碰撞。

也是創傷中常見的一種現象——為了讓悲傷更容易承受，我們會讓自己相信，是自己不夠好，而不是別人不夠愛。

記憶從來不是冷冰冰的資料儲存，而是情緒調和後的產物。

創傷會選擇性地遮蔽那些「太過甜蜜而令人痛苦的細節」，讓我們活得下去，但也失去了真相。

身體語言的空洞：不說的部分寫在表情裡這部片是少數幾部能讓人說出「RR有眼神戲」的作品之一。

他的眼神總是泛著悲傷，說話時眼神漂浮，不看對方，表情常常在某個情緒要湧上來前就轉向開玩笑。

他的肩膀是收的，站姿是防衛的。

他的身體像一個始終準備撤退的堡壘。

這些非語言的細節，其實就是 trauma 的 somatic leakage（身體洩漏）：你壓抑的情緒，不會消失，它們會轉化為眼神、語氣、微妙的肢體動作——只要有一個夠敏感的人，就能看見你的脆弱其實無所遁形。

四、療癒｜一場想象時間的心理治療內在小孩談話與敘事改寫（Reparenting / Inner Child Work & Narrative Reframing）在心理治療中，與「內在小孩」對話是一種常見但強烈的療癒方式。

內在小孩不是某種抽象概念，而是真實存在於我們情感結構裡的那個自己——那個曾經太孤單、太害怕、太受傷，卻從未真正被理解過的小小存在。

而TAP的設計，就是把這個過程戲劇化具象化了：讓受創的大人版本，直接面對他十二歲時的自己——而那個孩子，活潑、敏感、嘴砲、又隱隱地孤單，正是那個「還未受創，但即將失落」的自己。

在心理劇中，內在小孩不只是等待被療癒的對象，有時候他也是療癒的起點。

因為他還記得我們忘掉的那些美好、那些在創傷出現前的純真與連結。

在 TAP 裡，小Adam 是那個還記得爸爸陪他玩球、還記得投球機是自己求來的孩子。

他是那個在還來不及變形之前的自我，他擁有的不是對父親的怨懟，而是最原初的依戀與愛。

也正因如此，他成為了療癒者。

他幫助大Adam 拆解那些被扭曲的記憶，他反過來擁抱那個始終無法釋懷的成人自我。

他是大Adam 無法靠近的部分，也是他最需要靠近的部分。

在這場與「自己」的對話中，我們看到的不只是一個科幻設定，而是心理治療中的一個深層轉化時刻：當我們願意不再攻擊那個孩子，而是坐下來聽他說話、讓他陪伴我們重新走過那段路，那麼整個創傷敘事才有可能重新被書寫。

補償性對話與哀悼的完成（Corrective Emotional Experience & Grief Work）時間旅行，從來都不只是回到過去，更是一場回到自己傷口的過程。

如果說與小Adam的互動是 inner child work，那麼與父親 Louis 的再會，就是一場典型的補償性情感經驗（corrective emotional experience）——一種在心理治療中極為珍貴的療癒形式：過去的痛無法被抹除，但可以透過一個新的互動經驗，重新建立安全、信任與愛的敘事。

Adam 不只是回到了過去，他帶著所有創傷與未竟的對話回到父親面前，試圖完成當年沒能完成的告別與和解。

情節一：「你不用一個人撐著」——補上當年失落的依靠 當大Adam 一邊咆哮著要摧毀加速器，一邊對著父親質問「那你幹嘛來？

你不是不該參與嗎？

」Louis 說出那句幾乎讓人瞬間潰堤的台詞：「Because you can’t do this without me.」這句話的力量，在於它打破了 Adam 長年來的孤獨信念——我不能依靠任何人，我只能靠自己。

這不只是父子間的互動，而是典型的「補償性對話」：在你需要幫助時，終於有一個你認同、你想依附的人，告訴你：你不需要再一個人扛下所有。

你可以被依靠，你也可以依靠我。

而Adam的反應——那短短的一個怔住的眼神——像是他從來不敢奢望有人會這樣對他說，這就是 trauma survivor 最深的傷口之一：不是沒人愛，而是曾經求助過太多次都沒有人回應，直到你再也不相信自己值得被照顧。

情節二：「我很抱歉我沒能陪著你長大」——完成哀悼，允許悲傷最直擊內心的一幕，是三人回家後，Louis 看著兩個兒子，一句話一語道破：「我一看到你們，就知道我已經死了。

」那不是科幻片的台詞，是心理劇裡標準的「哀悼語言」起手式：我知道我離開了，我願意面對這個事實。

接著，他看著 Adam，說：「我很抱歉我沒能陪在你身邊。

但我愛你，兒子。

我會永遠愛你。

」 這段話對 Adam 來說，不只是父親的道歉與擁抱——它是一場從未開始、也從未完成的哀悼終於找到出口。

整部電影他嘴硬、不哭、鬧脾氣、嘴炮連發，直到這一刻，他才真正允許自己掉下眼淚。

這一段對話，其實就像很多心理治療裡的練習：「如果你的理想父親現在出現在你面前，他會對你說什麼？

」這場戲就是這個想像的具象化。

父親終於說出了當年沒說出口的話，而孩子終於流出了那些早該流下的眼淚。

情節三：「玩完最後一場球」——象徵性的修復與告別這部電影最美的 ending，不是宇宙被拯救，而是那場投球。

三人來到木屋後院，父親拿出投球機，三人在彼此了然的沉默中扔著球，直到父親撿球，回頭的時候，Adam們已經消失了。

這不是一場投球，是一場象徵性的修復儀式。

在失落的童年裡，Adam 一直覺得那台投球機代表父親的逃避——你不想陪我，所以用機器代替你自己。

但這一刻，他的父親在場，不是把機器當替代品，而是參與、投入、陪伴。

那個記憶，終於不再只屬於創傷，而是有了新的意義。

哀悼，不是忘記；是能夠重新想起而不再崩潰。

那場球賽，就是 grief work 的終點——在愛裡說再見。

如果前面與小Adam 的重逢是與內在自我和解，那麼這一段與父親的補償性對話與告別，就是把最深的、最難啟齒的悲傷，放回了記憶裡的正確位置。

這不會讓 Adam 變回快樂的孩子，但讓他有能力成為一個不再逃避的人。

自我整合（Self-integration）創傷最殘酷的地方，從來不是痛本身，而是它讓我們不再願意看見曾經的自己。

我們用嘲笑、憤怒、切割來與過去劃清界線，告訴自己：「我不是那個脆弱的、愚蠢的、敏感的孩子了。

」所以大Adam對小Adam的嫌棄與不耐，從頭到尾都不是針對對方，而是針對自己。

他說：「我花了三十年想逃離那個你。

」這句話的底層其實是：「我曾經那麼痛恨自己的樣子，我寧可假裝他不曾存在。

」可痛從來不會因為否認就消失，直到最後，他終於說出那句話：「雖然我不想承認，但我必須要說——你其實是最棒的。

」這句話，不是原諒。

不是那種「好啦我不怪你了」的寬恕，而是比原諒更深刻的情感——我記得你了，我知道你不是完美的，但你已經夠好了。

這就是自我整合的起點：將過去的、當時無力的、被我們拋棄的那一部分重新納回自我之中。

這樣的轉變，不是一夜之間發生的。

在現實的心理治療裡，這個過程通常漫長而痛苦。

但在電影中，我們看到它被濃縮進了一句話、一個眼神、一次接納的擁抱。

對於有過創傷歷程的人來說，這是一場想像中的修復，但絕不只是虛構。

因為每一個在真實生活裡努力修復自己的人，都會走過那麼一天——在內心的某個角落，重新遇見那個「讓你覺得自己太不夠好」的舊自我，然後終於說「你不必再躲起來了。

你是我的一部分，而我願意留你在這裡。

」那一刻，大Adam 不再只是時間旅人，他不再只是在修復一段家族創傷，而是完成了最核心、最私人的救贖——對自己的一次擁抱。

五、敘事｜科幻外殼下的情緒真實《The Adam Project》的敘事邏輯在許多硬科幻觀眾眼中也許漏洞百出——時間線混亂、邏輯不嚴謹、科學設定淺薄。

但如果把它當作一部真正的科幻作品來閱讀，也許反而會錯過它的真正核心。

時空旅行？

是創傷重演與修復的可能。

在心理學中，創傷不只是記憶的碎片，而是一種會在時間裡不斷重複出現的情緒模式。

人會無意識地重複走進創傷情境，尋找修復的出口——哪怕是在一次次的失敗裡。

TAP裡的時空旅行，恰恰像是這樣的重演。

大Adam回到過去，看似是為了阻止時間科技落入壞人之手，但潛意識裡，他真正想修復的，是一段無法說出口的童年創傷。

科幻提供了表面動因，但心理創傷提供了真正的動力。

平行宇宙？

也許不是關於宇宙，而是關於「我還能是誰」。

電影的最後，一切恢復「正軌」：時間被修正，未來被改變，但我們知道那不是真正的ending。

真正改變的，是小Adam的內心結構——那個童年裡充滿防衛、孤獨與痛苦的孩子，在與未來的自己短暫相處後，留下了一個不同的內在版本：那個被理解過的自己。

平行宇宙的概念在這裡，早就不再是量子物理的假說，而是心理學的隱喻：我們內心擁有無數個版本的自己，而那些未被理解、未被愛過的版本，也許仍在某個角落等待「對話」。

而這部電影給出的答案是：是的，你可以見到他，甚至擁抱他。

大Adam的「消失」則是創傷人格的退場。

當故事結束，所有時間旅行者都應該從原本的時空消失，而觀眾也會發現：大Adam從此「不存在」了。

這個角色沒有被安排一個happy ending的落點，他沒有回到原本的未來，也沒有在平行宇宙裡重逢。

他就那樣消失了。

不是死亡，而是釋放。

從心理劇的角度來說，這其實是一種創傷人格的整合與消融。

大Adam 代表的是那個因父喪、失戀、戰鬥與責任而扭曲、封閉、自我壓抑的「創傷化的自我」——他曾經支撐整個人活著，卻也阻礙了愛與柔軟的可能。

而當這一部分的自己完成了對父親的告別、對小Adam的認同，整合也就完成了。

不是說他不存在，而是：他已經不需要再「獨立存在」了。

結局不是「未來被改寫」，而是「過去被理解」。

最終那場球賽結束後，小Adam醒來於一個表面相同、但內在全然不同的世界。

他還是會長大，他還是會遇見各種痛苦的人生場景，但他已經不一樣了。

因為他的過去被理解過。

他哭過了，他抱過那個離開的人，他說出了想說的話，也聽見了他以為永遠不會聽見的那句：「我愛你，兒子。

」這部片不是在說拯救世界，它是在說：當我們能夠好好地哀悼、對話、接住自己時，我們的內在世界就會開始重寫。

時間旅行，不是為了逃離，而是為了回去接住那個掉下去的自己。

結語｜不是穿越時空，而是回家的路《The Adam Project》不只是一次時間旅行的冒險，而是一場返航的旅程——不是飛回未來，而是走向一個從未真正抵達過的地方：與過去和解，與自己和解。

它披著科幻與娛樂的外衣，但其內核卻極其真實：創傷如何讓我們切割自己、懷疑愛、用幽默與憤怒把痛苦包裹起來；而療癒又是如何悄悄發生的——一次對話、一句「你可以靠我」、一場象徵性的球賽，就足以讓我們不再一個人對抗整個世界。

你很難不把這部電影和 Ryan Reynolds 本人聯繫起來。

他曾公開談論自己的焦慮症和童年與父親的緊張關係，也在許多訪談中展現出那種「一旦被誇獎就想開玩笑帶過」的防衛機制。

他飾演的大Adam，不只是角色，更像是他人生某個版本的投影。

也許正是因為這份貼近，他的表演才顯得特別誠實——不是技巧上的突破，而是情緒上的通透。

那雙總是閃爍著疲憊與機智的眼睛，在這部片裡終於露出了被理解的閃光。

對某些人來說，《The Adam Project》只是另一部中規中矩的商業片；但對另一部分人——特別是那些曾經失去過、哀悼過、努力試圖成為自己的大人們來說，這是一場穿越時空的心理劇，是一封寫給 inner child 的信，是一次遲到但真誠的擁抱。

就像那個最讓人淚崩的瞬間：「Don't carry it anymore.」也許我們都不必繼續背負這一切。

亚当计划 (2022)6.42022 / 美国 / 喜剧 动作 科幻 冒险 / 肖恩·利维 / 瑞安·雷诺兹 沃克·斯科贝尔

我感觉这一部电影虽然有我们的喜剧男神出演，但是我觉得这部电影也有很多感动我们的地方，或许这就是他主演的电影的魅力吧，我觉得不管这部电影怎么样，他和失控玩家有点相似!一个讲的是爱情，这个讲的是亲情吧，我觉得这个更加多的亲情和爱情相结合，不管怎么样，我觉得这个电影可能侧面反映出母爱的重要性，和一个家庭的爱对一个孩子未来的成长有多么的重要!

少年亚当和成年亚当一起拯救世界：美国最新电影《亚当计划》2050年，40岁的亚当为了寻找穿越后无法返回的妻子劳拉，启用时空旅行强行突破索兰尼的追击回到2018年，却因失误回到了2022年，在家中与12岁的自己相遇，小亚当沉浸在丧父的痛苦中不能自拔，对其母亲误解颇深，也无法理解母亲。

大亚当后悔当时不理解母亲的痛苦，在酒吧安慰了解酒浇愁的母亲，让母亲很释怀。

在索兰尼追击大小亚当最危机的时刻，被劳拉救出，劳拉在穿越到2018年时发现了索兰尼改变历史想控制世界的证据，被索兰尼炸毁设备无法穿越回2050，只能隐世等待亚当出现。

为了毁掉时空旅行计划，让世界回到一个时间线，短暂的相聚后，大小亚当只能重返2018年，在2018年，40岁的亚当和12岁的亚当与车祸去世前的父亲相聚，一起闯过索兰尼的追杀，毁坏掉硬盘，让时空旅行的科技消失于世。

在这个时间线，大亚当和劳拉又一次相遇。

影片通过科幻的形式，表达了人们对未来的期盼，对过去所有遗憾的后悔和弥补。

亲情如影随形，亲情的力量改变了每个人，都成为最好的自己。

与过去的自己面对面是一种什么感受？

这部科幻喜剧电影给我的感觉很奇特，如果说我们会对身边最亲近的人苛刻，那对待曾经的自己肯定也是更苛刻的，过去的我怎么是这个样子呢？

怎么可以这么弱👎影片里12岁的亚当遇到28年后的自己，一起携手击败了破坏未来秩序的势力，科技感可能不那么强烈，更多的是一份与自己的和解。

12岁的亚当聪明话唠，40岁的亚当却多了些木讷。

两个人习惯一致，但面对父母的记忆却出现了偏差，早早离开的父亲，对小亚当来说是无论多么辛苦回到家依然会陪伴着的，但长大后的亚当记忆中却认为那时的父亲对自己是漠不关心的。

小亚当对母亲是不耐烦的甚至是带有敌对的，他不能理解母亲内心的那份孤独与悲伤，而长大后的亚当却非常后悔对母亲的伤害，他们既像两个人，又是同一个人。

矛盾吗？

不矛盾，像极了生活中的我们……

刚才看有别的朋友说，亚当计划是漫威演员下岗再就业，我就笑喷了，说的太贴切了。

这部电影下载好久了，一直都没看，今天才看完。

一般的世界观，一般的剧情，一般的设定，一般的内核，但是用了一帮不一般的演员，我决定给这个电影5星。

就因为我在这电影里看到了好多的影子。

可能是硬贴的，但是就是感觉有微妙的联系。

1、里德穿越回来藏在车库，被幼年的里德发现。

有没有点《钢铁侠3》的味道。

2、跟里德妈妈约会的男人，留着鲻鱼胡子的男人。

托尼史塔克的胡子好像也是这款。

3、劳拉从树林里跑出来的时候，我不禁说了一句：卡魔拉？！

4、里德穿越回2018年，老爸在给学生上物理课。

布鲁斯班纳也是物理学专精，给学生上课也不算违和。

5、父子三人进入地下二层的时候，那个巨大的设施，让我一下子想起了，史塔克工业造的那个巨大的方舟反应堆。

6、都没过几分钟，装硬盘的那个装置就让我想起了，钢铁侠的方舟反应堆了……

7、设施内巨大的粒子加速器，和钢铁侠2里，托尼家里摆的那个加速器也是很像。

可能粒子加速器就是那个样子，不过我看的时候，一下就联想起托尼造的那个玩意了。

8、最后这个就不多说了，超级英雄落地。

这个从始至终贯穿漫威的超英电影，几乎每部都有。

不过我还是喜欢，娜塔莎妹妹伊莲娜做完超级英雄落地之后那副嫌弃的嘴脸。

可能是对复联四之前的漫威电影太喜欢了，看这部电影总有些联想，导致看的时候一直出戏。

不过就是因为这些影子，我才给这部电影5星好评，虽然他只值两星半。

以前可能是光看优秀的国外作品了，对于这一点理解的不够，又或者是因为那些片子毕竟太久了，把一些媚外的人的言论给挤压了我是真没想到，就这片还能有人舔着脸打四星以上还发长评，你是嫌给你爹妈丢人丢不够啊科幻片一点逻辑性都没有，感情戏，女主角长得跟他娘男主奶奶似得。

我要是想看家庭戏码。

我不会去看《我们这一天》？

主角光环这种东西无可厚非，对面不拿枪也是正常反派，踏马的反派一身铁甲，撞树上就死了，也太他么离谱了吧，除了能隐身，这装甲是啥防御也没有啊，男主的皮衣就不错，肉都打穿了，衣服也就前后也就有点血迹，不能是伤没好先缝了衣服的吧女主角出场还有把未来武器，怎么进了武器库，直接降档次，还搞得煞有其事，是真的烂啊这都啥年代了，国外片子还高人一等呢，就这片两三分都极限了

看了评分看的，期待确实不高，作为打发时间的作品带着小朋友一起消耗共处的时间。

这就是一个为了迎合当下的审美，包装成了一个我们想要的科幻、场面、搞笑等等元素的温情片，如果不带任何的成见，其实还不错。

里面当然各种不合逻辑的错误和细节，只是我个人感觉导演其实一直有一条主线，就是成长中的缺失弥补与修复，这部戏有一个设定比较罕见，一就是穿越电影，自己带着自己再次穿越这个细节，由于自己与自己的对话，那么对自我的认知和自我的记忆必然会产生很多冲突，对一个事物不同的感受与认知也产生很多有意思的冲突。

整体看下来，导演也不想深入的去探讨什么，这部电影更像导演一方面给观众想要的东西，一方面还是想多少表现一点内核的东西显示不同，不过也不想太深入，但是最后出来的效果，我个人认为还是值得看看的，是爽片，但是特别的冲突可以引起不少思考，有点意思。

万万想不到自己没有在中年亚当、少年亚当和父亲第一次重逢时落泪，也没有在三人最后一次接抛球时落泪，而是又一次因为牺牲与离别倍受感动。

动物都有求生的本能，人也是动物，也正因如此，克服本能而做出牺牲才显得愈加难能可贵。

当然，前两者也都是精彩的情节。

影片情节并不复杂，由时空旅行技术引发的问题迫使中年亚当回到过去，与父亲和少年亚当携手拯救世界的同时也完成了自我救赎。

亮眼的是，软科幻下影片情感内核得以凸显，情感脉络也清晰可见。

恨与爱相互交织，中年亚当起初怨恨父亲的去世，待少年亚当点醒后才明白这种愤怒的来源，因为恨一个人比想念一个人要来的简单。

当心结解开，恨意往往能转化为更大的爱意。

这对于未经历之人似乎很难理解。

记忆有时会欺骗人，情感也因此会发生变化。

反之，情感的变化也能引起记忆的偏差。

影片中亚当就是如此。

因为愤怒而渐渐忘记了父亲与自己接抛球的美好回忆。

人的记忆力或许有限，但足够人们挥霍一生。

或许记忆会随时间而变得模糊甚至被遗忘，但记忆却永远不会消失，而是在某个角落静静等待被重拾的那一天。

关于时间旅行的故事，已经很多了。

如果还没明白时间旅行产生的危险，以及时间旅行悖论，那你应该好好考虑“用肌肉换脑子”了。

在“很久以前”的关于时间旅行的问题里头，大概是无法解决时间悖论的问题，设置了俩人不能见面的障碍，同一个人在同一时间相遇，会引发“大灾难”，这个“不符合科学”的设定，当时信以为真。

而如今，对于这个，科学家找到了一个“自圆其说”的办法，所以在这块儿也没人计较了，该见面就见面，该同框就同框。

故事里头，小贱贱的碎嘴子原来打小就有了根基，不同时代的自己，原本就是互相看不上的，插科打诨中好像又透露出一点点哲学道理。

漫威的大联动，看来是大有可为。

不过，在此之前，也不妨碍小贱贱谈一场“穿越时空的恋爱”。

至于和绿巨人的见面，不互相KO一下，也实在说不过去。

其实故事里头关于时空穿梭什么的事儿，好像都不是重点。

这只是让故事热闹起来的噱头吧。

故事的主线，一直都是家庭，父子也好，母子也好，夫妻也好，网飞在大数据的支持下，知道什么是观众最想要的。

故事没有“天鹅挽歌”那样的圣母，人的成长，本来就应该学会失去，否则珍惜就没有了意义。

所以，护卫队才会愿意坦然面对消失，因为她相信，在那个未来，他们还能想见。

所以，绿巨人也会坦然面对死亡，因为他尊重自然规律，因为他相信，和家人在一起，并不是不能面对别离。

所以，小贱贱也会坦然的面对自己，和过去和解。

那些糟糕的，失望的，痛苦的，悲伤的，都是珍贵的人生礼物，关键是要学会成长。

那些让小贱贱后悔莫及的事儿，如今有了补救的机会，谁说，不值得一次泪目呢。

小贱贱用自己“四十多年”的经历，告诉曾经的自己，你还有可以依靠的臂弯，而她也只有你可以依靠。