制造伍德斯托克音乐节

偶然找到对李安的一篇专访，比大多数专访都谈得深，谈得好。

原文链接：http://4bluestones.biz/mtblog/2009/10/post-1742.html--這篇李安訪談全文，多了他對作者論的意見，對影評的態度，改變小說的作法，以及電影切割畫面的技術思考，或許能使大家對李安的創作心路有更多體會。

--問：有的導演風格鮮明，但是你卻讓很多電影學者或評論家覺得困惑，因為卻很難定義李安風格？

你希望後人如何看待或解釋你的作品？

答：我真的沒有風格呢，但是沒有風格是不是也一種風格呢？

就算是無招勝有招吧。

創作者其實就是去完成一個實例，讓人家去分析。

評論就是要去DEFINE，下定義和找觀點，結論，但是創作的人卻完全不是這麼回事。

剛出道時，確實受過楚浮或高達這些電影作者論的影響，希望去追求一種風格，非得那樣做不做，實際做去下了，才發覺自己就是去做一個樣本，不是去駕馭題材，而是被題材用了，燃燒自己讓別人看，跟演員的情況差不多。

不只是高達啦，溫德斯那一派的導演也很厲害，很不一樣，他們學有專精，理論紮實，還有革命性的見動與能力去推翻前朝，他們的作品我都還沒有看，可是我的東西他們卻都一定看了，而且還看全了，才來評論，然後才來創作。

問：雖說是無招勝有招，面對不同觀點的評論，你會如何因應？

答：我最煩的評論是心裡已經先設定好一個標準，一個答案，只要不合他的意，沒有達到他的程度，就開始霸道地批判你，完全不是從作品表現來論，而是就個人心中的想像出發，那是一種對作品的不標準，是一種削足適履。

我不想多批評影評人，而是對影評人很同情。

一天會去看五部電影的人，基本上都不是正常人，誰會一天看五部電影？

被迫要看那麼多電影，早就討厭電影了，影評人每天都擠出文字，寫出東西來，那麼痛苦，本身卻又不喜歡電影，不管他是誇你或批你，都不必太在意的。

我們創作的人就要擺脫那些評論。

電影要有活路，就不能有太大的框架，明明我覺得是對的，卻被評論家指東論西，以前我確實會生這種氣，後來才慢慢體會，觀影已經是一種文化習慣，所有對電影的想像與議論都已經是生活的一部份，就不會再那麼生氣。

問：你自豪的手痕是什麼？

答：手痕和我的生活經驗與個性有關。

我是個委屈求全，卻又不甘心的人，經常得在這種矛盾情況下追求一種平衡，明明很難做決定，卻又被迫得做決定，拍電影就得要選邊，在變化捉摸不定的人生中掙扎出一個方向，不知何去何從時，就得認輸，就得回到自己最熟悉的事情上。

但是我更相信拍電影就一定要講出個道理來，不能自己都講不出個所以然來，我一直沒有放棄的就是這一點，電影不能這樣的。

談到電影技巧，我基本的心情是上手就忘了。

我只是對技巧覺得好奇，很有興趣去學新技巧，但不會捉住不放，玩過了，就去找新的玩。

問：你的早期創作《推手》和《喜宴》都是原創劇本，《理性與感性》之後，則偏愛改編小說，不論是《臥虎藏龍》、《色，戒》或《胡士托風波》都如此，下一部作品《少年Pi的奇幻漂流》亦然，為什麼？

答：我的創作重心在拍電影，只要做下去，面對有刺激，就會有東西出來。

我從來不是什麼作家，當初會自己寫劇本，其實是沒有人要給我劇本和題材，只能掏自己心裡和家裡的東西出來，拍完兩齣戲，就覺得空了，我很樂意拿別人的東西，只有拍《理性與感性》時，自己像個職業導演那樣，把別人寫好的本子轉換成電影，其他的案子我都是重新去「發展」，小說只是出發點，會刺激一下想法，做我的演譯和創作，簡單來說，就是借題發揮啦！

而且，別人寫書都做了許多研究，也找出了很強的故事主軸，拿來轉用，真是省事省力。

問：改編小說會有負擔嗎？

《色．戒》的編劇王蕙玲就說原著小說太龐大，太艱深了，她得像拆鬧鐘那樣肢解小說，才能繼續編寫，你又是如何來處理小說改編的工程呢？

答：其實有些東西一直不想公開講，我自己有個原則，不管是世界名著或者武俠小說，通常我都只看一遍原著，就丟到一旁去了。

除了我有什麼東西忘了，不太確定才會回頭去查一下，《色，戒》是我唯一查很多次的，因為張愛玲寫得特別詭異，不能光靠第一次閱讀的印像去拍片，小說中騙人的比抒發的多，打個比方說，如果小說是花了一個星期寫出來，她至少花了卅年的時間去遮掩，她的手法很複雜，有些東西會被她給騙了。

我的創作，包括寫劇本都只是拍電影的一部份，所以我的著力點和困難與編劇是很不相同的，我必需把一切視覺化，要去預測別人會有感覺，要去創造一種滋味，和一種感情，與文字工作者要求的重點是不一樣的，雖然我們一直在溝通，但是心中所想的和具體的作法都不相同。

問：劇本創作的時候，你究竟在想什麼呢？

答：我想的是如何用聲光來表現。

聲光其實是比較膚淺的說法，更具體的說法是人到了那個情境地步時，心裡會揪起什麼感覺，要有什麼樣的韻律，拍多了，習慣了，就會知道該如何從文字轉換翻譯成影像，不會是負擔。

馬上就知道該怎麼做，那是天賦，自然就會湧現的。

我不擔心製作上會遇到什麼麻煩，主要還是在於情感上的鋪排，理性與感性上會有什麼反應，這些才是重點。

問：原著作者的反應該如何面對？

有負擔嗎？

答：作者不過就是一個人嘛，買了版權，就首映會上見嘍，我真要在乎原作者的心情，電影就不要拍了，拍電影就是要六親不認。

做研究時我會仔細聆聽，拍片時就交給製片人來擋。

改編《色戒》是我拍電影以來最刻骨銘心的一次經驗，不管成績如何，那種經歷才是難得的。

人生和歷史真相躲在黑暗裡，你只不過輕輕碰了一下，就發現它的可怕，這才發覺人生真的要靠假像才能活下來。

《色，戒》帶給我的啟示就是人生只有靠演戲，靠做假，才能觸摸到最真實的事情，最深最真實的東西只有靠做假，才能顯現。

電影拍完後，《小團圓》出土了，製片問我看了沒有，我卻完全不想看了，確實，張愛玲陪我度過一段很黑暗的時光，但是天天好像被一位老太太給巴著，附體，躲不開。

問：作者可以不管，書迷或迷影迷該怎麼因應面對呢？

答：這才是比較大的問題，最怕的是粉絲。

作者有意見，可以有一隊的製片去應付，不要去接觸就好了，我覺得粉絲比什麼都大，比製片廠比政府都大，會給你強大的心理壓力，因為明槍易躲，暗箭難防，不知道他們從那兒來的，而且會鼓噪，他們就是每天釘著這個看，這是他們的生活重心，每天樂此不疲，再加上網路的便利性，讓你承受的壓力尤其大。

你知道《綠巨人浩克》的原著Stan Lee的死忠漫畫迷有多少？

大家從小看了幾十年的漫畫，遇上想要創新的你，他們群起反彈的力量有多可怕？

《斷背山》也是有一群很廣泛的支持者，我拍片時只能去做駝鳥，不要聽，拍完之後，才開始擔心憂煩（大笑）。

《臥虎藏龍》就是美國網友支持而成功的，水能載舟，亦能覆舟，《綠巨人浩克》就被罵得很慘，到了《斷背山》則又被網友捧了起來，《胡士托》，《色戒》亦很受網路意見的影響，整體而言，敵人多過朋友。

問：即使是改編小說，你選擇的題材卻是南轅北轍，各不相同，你最愛的創作題材是什麼？

答：我對小說背後隱藏的內容才最感興趣，凡是看似耳熟能詳，卻沒有人去拍的，最能吸引我。

例如《臥虎藏龍》談的無非就是大俠遇上了美女怎麼辦？

會不會心猿意馬？

要把武德武藝擺那裡？

《色，戒》談的則是愛國情操和性幻想夾在一起的時候，你該怎麼辦？

這些都是很真實的事情，大家卻都不碰，所以我就來做了。

我對美國社會潛藏的「暴力」傾向也很感興趣。

問：看完《斷背山》，讓人想起寒山的詩：「寒山頂上月輪孤，照見晴空一物無」，看完《胡士托風波》則是想起蘇東坡的名詩：「不識廬山真面目，只緣身在此山中。

」感覺上你總是很能把中國的詩情融鑄在作品之中，因為不管是人類登月的歷史大事，或者被人神聖化的胡士托演唱會，你都處理成很淡很遙遠的歷史背景而已，這是什麼特別的美學心態？

答：任何比較大的事情，不管是純粹的愛情，或者烏托邦，都是很模糊的東西，廬山沒有了那些雲霧，根本就看不到廬山的本質，就算你人在山上，沒有了那些雲霧一草一木都看得很清楚，我覺得你並沒有看到廬山的本質。

事物的本質就是要把幻覺、印像和美感要摻在一起，太過清晰反而看不見真正的圖像了，所以我覺得模糊化和邊緣化是很必要的。

就像男主角最後只能遠遠地看著那個舞台，但是那樣的舞台才是最真實的，後來的人一提起胡士托音樂祭就會提起一堆歌，其實那是個很現實的場合，有的樂團沒看到現金根本不上台，真正的大牌沒有登場，也是因為錢不夠，參與過那年胡士托的人都說音樂表演反而是最差的，因為現場一團亂七八糟，胡士托真正的趣味其實在於所有的人都要進去那個烏托邦，搞得迷迷糊糊的，真正的胡士托根本不是在胡士托發生的，可是大家都不管這些真相了。

如今的胡士托也只成了一個標籤一個商標而已，與音樂會已經沒有關連了，我的片名要用到胡士托這個字還得付權利金。

要觀察那個時代的美國人，就得加進許多美國社會底層一些很纖細的細節，例如猶太人經歷過的生命風霜，遇上冷戰時期美蘇強權的對峙，那種心理衝擊力其實不輸登陸月球的，於是我選擇透過一個小家庭的生命戲劇，謹慎地處理每一個角色的心路歷程，也許就能對照出一點東西。

麥可說胡士托的舞台是世界中心，那是一句美麗的口號，因為他是最懂得做生意的人。

那些都不是最重要的，而是這些角色經歷這場事情後的轉變，那才是真正的胡士托。

問：繼《綠巨人浩克》之後，我們再度在《胡士托風波》中看到了你運用畫面切割的技法，來呈現那個事件的多元混亂情勢，你基於什麼樣的心態做這種美學處理呢？

答：《胡士托風波》的畫面切割手法和《綠巨人浩克》是完全不同的，《胡士托風波》的影像風格有一點要學當初的紀錄片形式，不管是手搖和鏡頭的溶切，胡士托的活動精神在於反傳統，反體制，要推翻父母親那一代建構的，來自二次大戰餘緒的那一切體制，所以是反文化的，這種造反包括《逍遙騎士》和《胡士托》紀錄片所用的手法都是是推翻片場制度慣用的方法，我只是沿用了那個年代的方法來呈現那個年代，再搭配更簡潔的方法，讓觀眾可以捕捉到更真實的時代印像。

問：《胡士托風波》的分割鏡頭呈現的感覺是人在大事件中時，面對資訊混亂的熱情騷動；《綠巨人浩克》則顯得複雜更多，既符合漫畫精神，又開創了多元敘事的可能性，你自己怎麼來細分這兩種美學？

答：《綠巨人浩克》則是比較創新的革命手法，我對觀眾的反應有點失望，覺得自己的苦心沒有得到回響共鳴。

因為原著漫畫的分格處理，有一種特殊的敘事動線和布局設計，和以前熟悉的漫畫並不相同，布局和敘事動線是同時並存的，我對那種形式有興趣，希望自己的畫面切割手法能夠接近原著的那種敘事魅力。

因為電影剪接始終只是個時間順序的排列而已，不管你用什麼手法，呈現的都是直線時間的流動，都只是一種韻律而已，我想做的卻是「空間」的剪接，不只是時間而已，能夠塞進更多的資訊進去，因為時代已經進步成熟到多元資訊同時並陳的階段了，現在年輕人玩的電腦不就是可以同步處理多元情報嗎？

我很興奮地去《綠巨人浩克》中嘗試這些玩法，但也只做到了幾成，只有畫面布局，只有切割空間和動感律動，沒有做到自己想做的不同時空劇情進展的一切，因為大家都反對我繼續做下去了。

《胡士托風波》的形式對我而言真的只是小兒科而已，現在只要兩台電腦一擺，開始對剪，就搞定了，你真的很難想像在1970年代，在老式的手工剪接平台上，要用多繁複的手法來處理分割畫面多元進行的剪接，我真的很佩服當年的史柯西斯那些人。

問：鄉愁似乎是你創作力的源頭？

因為你不愛當代題材，卻偏好追懷美好的舊時代？

答：我確實是個特別懷舊的人，可能是因為我對流行的東西特別不敏感及排斥。

從研究和分析中，我可以清楚看見前因後果，可以用懷舊的手法去觸動一些浪漫的情懷，這是我比較喜歡做的事。

我就一直很喜歡回花蓮，因為那裡有著我很快樂的童年回憶。

鄉愁是壞的事情不會去記，只留住好的。

1969年有很多糟糕和醜陋事物，可是我們都選擇遺忘，不去記憶，只記得美好和浪漫，明明胡士托也發生過很多醜陋事，可是我們選擇了浪漫化。

問：台灣帶給你的創作能量有多強？

會不會再回選擇台灣題材來創作？

答：我吃台灣米長大，在台灣有這麼多的同學、老師和朋友，但是那些台灣經驗卻是被壓抑的，父母親跨海帶來的中原歷史和文化的一種鄉愁，理論上應該是最美好的一種嚮往，但是你卻發現它正慢慢在流失，被革命掉了；另外，它的出發點，可能也不是真實的。

很悲哀的一種感覺，會產生一種像浮萍的飄流感覺，它是最美好、最有安全感，也最根深蒂固，卻也是最虛幻的東西。

《色，戒》帶給我的啟示就是只有靠演，靠做假，才能觸摸到最真實的事情，人生最深最真實的東西，往往亦只有靠做假才能顯現，台灣給我的感覺就是真真假假各種感受混在一起，我也說不出個所以然來，歸根究源來說，就是我對台灣元素的理解還不夠深，需要再進一步的研究。

過去被騙了很多，現在還有一些新的騙人的因素在其中，對老台灣味點點滴滴的回想，在我心中油生了一種懷舊的鄉愁感情，但是很多東西正在流失，也在變質，我開始感到興趣，也會好好去想想的。

安导（递上话筒），请问你在生命中错过了谁吗？

啊啊，不要想用腼腆的笑蒙混过去啊，我很肯定你是错过了很重要的人吧，你知道电影是不会骗人。

不过我不认为安导一定错过的就是男人啦（虽然以他最近拍片的迹象来看……），只不过相比于男女间的关系来说，同性之间的感情多少是超越于社会责任之外的。

我从来没有听说哪一对男男，或者女女是为了“年纪到了，家里开始催到了，差不多要结婚生子”而交往的，所以这种感情可以说更加生物性，也可以说更加纯粹，至少可以首先保证是“看对了眼”才开始的。

安导说“人人心里有一座断背山”，那不是指“禁忌之恋”，而是单纯的指“没有未来，没有理由，就是单纯的死心眼的爱上一个也许并不值得的人”。

人一生多少会有那么一个人——啊，等等，我好像串去王家卫的台词了。

我对安导的感情也许比王家卫还深一点，一来《喜宴》跟《东邪西毒》一样是在我青春期中扮演了非常重要角色的电影，二来也是当年作为极少数读过“前-新武侠小说”时代的作品人，在那段为了《卧虎藏龙》跟人口水大战不休的年代里，培养出了一种“同仇敌忾”的阶级感情。

三来，安导是极少数在摄影机后不设定预先立场的导演，可以看得出他为自己电影里的每一个角色都设身处地地想过，考虑过他们的背景，他们的难处，他们的决定，给每一个角色留出余地，他理解也同情着每一个人，我喜欢。

但是套用Forman对13说的话（见美剧House），一个人对待这个社会的态度往往取决于其自身，所以如果一个人极力反对“贴标签”的行为，就说明其自身是个“很难分类”的人。

同理，如果一个人不愿意去表达过于强烈的个人意见和情感，就说明其自身存在着某种伊还不懂得或者无法正视或者无法决断的情感/意见。

就好比说，很多人觉得我对各式各样的怪人怪事都能很心安理得地给伊拉找理由并最后发表诸如“我理解”或者“干旁人P事”之类的意见，其本质原因，是在于我本身就是个怪人。

安导和嘻皮士——说真的，我看不出这当中的联系。

倒是我的某些行为被人说有几分当嘻皮士的态度——比方说只把家当成“睡觉的地方”，不在乎房子多大，装修多好，所以一直也没有“存钱买房”的概念；不会预先几个月做准备，把旅行当成冒险，常常背上了背包就出发，没有旅馆的时候就无所谓地睡在车站，公园的长椅，或者被陌生人捡回家；如果在路上遇到下大雨，就索性脱了鞋子顶风而行；对于裸露相当随兴（某同学：我某日看到你露点耶。

某只：哦。

某同学：汗！

）等等，不过我把这种归结于“随遇而安”的天性（这一点有点像片中的Micheal Lang，我也是那种再大的事都一副死样地擅自决定“反正总有办法解决的”态度），还有就是我曾经在农村住过三年，除了学会采茶，插秧，捉蚱蜢，还有如何跑得比邻居家的大黑狗快之外，就是能够跟野地（甚至乱坟岗）都和谐相处。

而Hippies，据某个父母是Hippies的美国人说，是以“love and peace”为座右铭（嗯，请问，你们是跟哈达王子一个星球来的吗？

），将一切行为都“自然化”的奇特种族，那位美国同学称当时为“美国最为文明的时代”，把我乐得半死。

大致特点就是热爱音乐，热爱野营，热爱大麻，热爱天体运动，热爱随处做爱，之类的……换句话说，是在追寻着人类天性中能与大自然产生 “美”的共鸣的声响而生活的方式，所以那位同学从小长在大篷车里，受的是“家庭教育”，有印第安名字很难想像一个始终在讲述东方式伦理和感情观念的导演突然采用这个题材。

如果不是开头大打出Ang Lee的名字，我会以为这是部新进导演拍低成本影片（成本应该就是很低吧），当然如果不是海报上有这个名字，电影厅里可能也不会坐那么多人，毕竟这部电影相当的“流水账”，几乎没有故事，只有“事件”，所以无所谓什么开端发展高潮之类的，主干由各色人物，各个片段，另加有一搭没一搭的对话拼成的，相当像电影中的嬉皮士穿的花花衬衣的“非主流”电影。

虽然法国很多这种类型的电影，但嬉皮文化在这里没什么共鸣，欧洲似乎没有出现过这种大规模的文化族群兴替现象，如果我没记错的话，越战时期，法国正是“咖啡馆文/哲学”蓬勃的时候，不太一样——啊，不，应该说太不一样。

至于中国么，咳咳，应该说中国人就没怎么自然过，而且自从我懂事以来基本上受到的环境熏陶就是“一切向钱看”，因此以我的成长背景似乎没有办法来评断说本片是否有正确地反映出Hippie精神和当时的Hippie文化。

不过我还蛮欣赏安导在影片开头切入影片发生的地点和时间背景的方式——坏脾气的老妈看当时代的电视新闻，旁边摆着全家福的照片。

安导拍风景，点细节和安排音乐一向是强项。

整个“音乐祭”，从一开始死气沉沉，几乎感到无路可去，无可无不可被抛弃的一个决定，到时来运转渐渐的激发出Eillot和Billy内心的叛逆青春，到最后在兴奋剂的幻觉下腾升为某种压抑在内心深处的感觉终于不受控制激荡而出的华美。

终于选择离去的Eillot，跟他那个用20年存了近10万美金，却每天吃着无味的食物，过着单调的生活，天天不见笑脸，只是在吸食了大麻之后才抱着它们睡过去的怪脾气妈妈，是两种生活方式代表。

不能说安导赞同了某一位，否认了某一位，毕竟最感人的台词我认为是当Eillot问他父亲说“你怎么能忍受跟她生活40 年”，爸爸桑只是简单的回答“我爱她”，这个“爱”字当胜过无数浪漫爱情剧的表白了，无法责怪的，甚至连我这种一直觉得不可能在婚姻关系中完整存活下来的人也觉得的温暖，最为平凡也最为深沉的话，我想，即使我对婚姻制度存在着这样那样的怀疑，但是仍有很多白发携手在十指交扣间传达着这样的情感（是的，我是单亲家庭的小孩，但不代表我不相信人世间存在这种“无论贫穷疾病困苦，即使见过你最难堪的一面，我仍然不离不弃”的感情，事实上，我信的，所以朋友结婚的时候，每个祝福都是真心的）。

那些音乐祭中遇到的困难，是我们青春中所受到的约束，而音乐祭则是人生的“机遇”，用Micheal Lang同学的话说，在这样的时候，来到这样的地方，恰恰好，“这是命运”。

有些人选择敌视，有些人选择接受，有些人选择离去，有些人选择留下。

无法评述哪一种选择是正确的，只希望每一个选择都是发自真心，而不是出自“无奈的责任”。

我被人说有“魔音穿脑”神功，大概是说我鬼话连篇，偏偏在说的时候老神在在，论据十足，仿佛对自己说的每句话都十分有把握的样子，因此影响了一些人的决定，从而也不知道是好是坏的影响了别人的人生（范围从学习选择专业，到决定别人性向，到提点别人“喂，你实际上喜欢xxx”，无论入错行还是嫁错郎，都有一笔烂账背在身上，后来翻然悔悟，知道自己不是一个适合 “给意见”的人），安导的电影也有这种功能，或者可能只是我们的频率能对上吧。

实际上在这些年的行程中，我做过无数吓掉别人眼镜而在我看来根本无惊地险不需要在意的事情，只有一桩，每次出行的时候都觉得“是时候做了”，每次却临阵退缩的——就是在旅程中找个帅哥或者美女“站一夜”。

我自认还无法承受“长期的一对一”这样的关系，是个性太糟糕了，而且在没有爱到的状况下，真的一点都妥协不来，但在旅程中就无所谓，两个陌生人，名字都可以是假的，没有什么后续，只存一段回忆，应该是蛮好玩的。

很妙的是，安导这部电影居然给了我“下次一定要站”的勇气，神奇。

从《断背山》到《色·戒》到Woodstock，安导，错过的人和事是无法再重来的（过来人语气），再回首已然百年身，一切都变了。

但是只要火山还没有死绝，你也听过那个渔翁和作家的故事吧，得到了一切却错失了自己，绝对是遗憾啊，所以人生中至少一次，请恣意。

PS:Liev Schreiber演的Vilma我觉得还蛮性感的耶，有打动到我（是的，我是说“那方面”）。

他比较适合扮女装，别有一番风情，比男装性感（众：你的口味有没有太重了一点啊啊啊啊啊啊！

某只：我就不相信只有我一个人这样想！

哼）

不很好看。

因为还是想以小博大，小投资赚大钱？

因为还是要讲家庭儿女父母成长这永恒的主题？

看过魔鬼骑士，加上这片，感觉李安不太会在大环境下讲述小人物的故事。

确切的表达应该是他不适合又讲社会大事件又讲小人物的成长故事。

他一想把小人物放在大环境的画布上，就把小人物弄得拧拧巴巴的。

主角搁哪里都不自在，这是演绿巨人的演员和这片男主角和李安拧巴的原因吧？

想讲的内容多了，就讲的不好了。

毛主席说做一个纯粹的人难，讲一个纯粹的故事更难啊，因为人牛大发了，都想讲复杂的故事。

ps,看这片的时候顺便看了鲁豫的李安访问，李安那个平和包容啊，那个深谙中国古代及其当代文化啊。

如果说被主持，鲁豫是被李安主持了，不过李安是乖乖好孩子，周润发是个顽皮孩子而已。

“Perspective is what shuts out the universe. Everyone with their little perspective, it keeps the love out.” Tarsha in TAKING WOODSTOCK在拍完《色*戒》这又一颠覆自己的顶峰之作之后，李安下一部作品的一举一动必定都将引人注目。

而从不会重复自己的李安确实又为影像世界增添了一份先抑后扬的惊喜。

同性恋题材，美国70年代青年亚文化，摇滚音乐节……太多的宣传点让人们对李安的新片大感迷惑，甚至令一些影迷都为之汗颜。

但今天看过之后，才发现影迷的担心是不必的，那些噱头式的宣传是不值一提的。

李安还是李安，坚守着自己心中的纯粹与对人性核心价值观的探索。

他一次又一次挑战看似纯西方，纯美国式的文化，但实际却从中一次次挖掘出了这背后全世界，乃至全宇宙都共通的感情及价值观。

TAKING WOODSTOCK只是借用这个事件做为背景，着重在TAKING上，以ELLIT为贯穿全片的核心，将创办这个音乐节所带来的变化，对周围环境以及对身边的人，细节的前后对比，表现了人性深处对于毫无偏见束缚的自由和爱的向往，即使可望而不可及，即使令人无奈，但仍然令人感动而温馨。

影片前部分的新闻画面揭示出了当时的历史背景，美国正经历着越战及阿波罗登月，一个下地狱，一个上天堂般的矛盾事件，这样的冲突也隐喻着当时美国社会所处时代各种价值观的混乱状态。

人类在宇宙中探索，美国在世界试图确立自己的地位与青年在那个动荡不安的年代寻求自身价值的定位与个性的释放就这样因一个时代而相联。

WOODSTOCK也因此成为了李安导演的一个象征符号，通过创办这一个音乐节，因之而改变的人和事物，ELLIT所经历的压抑到释放，他家人的改变，那个带有越战心理阴影的青年…还有很多剧中出现的个体，都一层一层地将李安所要体现的主题剖离。

在影片要结束时，有了ELIT和TARSHA之间简短但却精辟的对话。

宇宙之中，什么才是最重要的？

对于整个世界，这个社会，什么又是最重要的？

谁的看法又有什么重要？

就像当受够了母亲抱怨，狭隘的生活态度的ELLIT来到音乐节后台，碰到TARSHA，对她问及家里的事，他笑称与这音乐节比起来微小得不值一提，而TARSHA回答他，也许他所经历的事就是这宇宙中发生的最重要的事。

谁知道呢？

相对于宇宙而言，个体是如此微小，但是对于个体来说，有些事情就是他的全部，他为之而生存下去的意义。

对于ELLIT的母亲，是她睡梦里抱在怀里，不让任何人侵犯的9.7000美元；对于ELLIT及他代表的一批年青人，是对世界的好奇及终极自由的追寻；对于BILLY来说，是摆脱越战的阴影像恶梦样追随。

“Perspective is what shuts out the universe. Everyone with their little perspective, it keeps the love out.” 人类什么时候能够停下对彼此的偏见，什么时候就能享受到宇宙中心的自由。

这样一场音乐会，被四方排挤，都因为人们不同的PERSPECTIVE。

各自的观点碰撞，扭曲，又在此基础上产新的误解，怨恨。

ELLIT的母亲一生都生活在PERSPECTIVE所带来的压力和自我折磨中，她已经忘记了爱，对自己亲人的家，对周围人的爱，所有都以利益建立关系。

因此，当后来ELLIT听到她母亲GAVE 毛毯给房客时，他才会才如此惊讶。

WOODSTOCK之后，不管是那个小镇还是那里的人，都在发生不同的变化。

影片末尾ELLIT父亲与他的对话是如此令人熟悉，父亲的理解是有着青年时期阴影的李安一生都抹不去的印迹。

但这里最打动人的还是对于影片另一个主题的提示，不带一丝偏见，毫无保留的爱。

ELLIT问父亲，如何忍受得了母亲这四十年来如此的生活态度，父亲只是淡淡地说，Because I love her.最后想引用某位仁兄的一段话，澄清关于此片的几个说法：1.这不是一部讲述音乐节本身的影片，全片甚至没有一支完整意义的乐队登台。

2.这不是李安的第三部同志片，主角的小艳遇的确表明了他的取向，但同性感情不是故事的主线。

3.这不是一部严肃、深刻的影片，至少不是一部貌似严肃、深刻的影片，它颠覆了李安之前作品的压抑和沉闷，故事流畅而情绪飞扬

我不了解音乐节文化，就是简单的当做电影来看。

这也不是影评，更像是观后日记。

如果有一辆小巴，我也会找一个我爱的人去环球旅行。

关掉所有的电子设备，准备好干粮，酒，飞行物，然后就上路。

要去好多有趣的地方，偏远的地方。

遇到气场相合的人，就叫他加入我们，分享我们的食物，分享我们的地盘，分享我们的精神。

最后还可以弄一个二次造访，途中给想念的朋友寄明信片或者写信。

见到保安，要真诚微笑的对他说，PEACE,MAN!所有的人都和平相处，赤裸面对，随时可以拉起陌生人的手，跟着音乐就跳舞。

没有负担，没有烦恼，心中只一片和平和爱。

电影那一段我不禁流泪了，就和影片里的人一样，看着绽放出花朵的舞台，看着人潮涌动成河流，大家都只为了一个目的相聚在一起，这就是大爱啊，这就是自由啊，这就是和平啊。

有天半夜，我看李安的《制造伍德斯托克》。

看到一半的时候，我突然想起去年有段时间，一个朋友说，这辈子最大的愿望不是别的，就是看场伍德斯托克。

我问，没开玩笑吧。

他差点急了。

我也想起了身边有几个人对这部片子都有或多或少的失望和抱怨。

可他是李安。

他不是昆汀，或者斯科塞斯。

他讲了一个成长的故事。

一个信仰在心中，谁都是佛的故事。

只是套了一个很大的标志 伍德斯托克。

恩。

伍德斯托克 ，当然也不例外。

他减略了很多东西，包括一闪而过的主角的同性取向。

他已经为这次表达做了很多删除。

虽然他也舍不得。

在导演眼中，都是故事。

任何事。

没有强化。

没有夸大。

他依然很平和。

这是他的根。

一个为了交房贷，本意是用个录音机搞一场音乐会的年轻人，通过一条信息，一个电话通话，几张合同。

便促成了这个标志 伍德斯托克。

连持有手枪的警察，都被 感化了。

没有感化的，在故事中，只有收保护费的黑帮。

最大的表面暴力产生在，孩子的家人和一个退伍同性恋拿着棒球棍子打断了黑帮的腿。

这部片子很好看，也很耐看。

当然前提是需要耐得住性子。

文艺味十足。

后程力量能影响你观影后的几周生活。

年纪不满十八者，观看此片选择的伙伴要慎重。

搞不好，你会被这个老家伙带上了路。

对于习惯了安导《喜宴》、《推手》和《饮食男女》此类中国风俗理念的观众而言，安导的《伍德斯托克》多少让人有点难以下咽入喉。

可是，不管你愿不愿意，安导还是把这部电影摆到了台面上来。

而且还凭着这部电影角逐戛纳，至于结果如何，那是后话，这里不再提起。

反正个人觉得，戛纳和安导是互不来电的。

所以，安导大奖拿了不少（俨然一得奖专业户），可是，戛纳的那帮评委就是不给安导面子“话说，2008年的一天，安导来到旧金山，遇到了伍德斯托克音乐节的创始人艾略特•蒂波，当时年逾70的蒂波正在宣传他的个人传记——《制造伍德斯托克：一个关于骚乱和音乐人生的真实故事》。

蒂波马上拉住安导，向他喃喃介绍起自己往日的光辉岁月“1969年••••••”，安导当时马上拿出老黄历，掐指一算，2009年刚好是伍德斯托克音乐节40周年，于是当下拍板，买下版权！

”——摘自405期《看电影》于是，我们就在2009年的一天，和安导的《伍德斯托克》不期而遇了。

有些电影是需要看细节，在细节里揣摩故事；有些电影是忽视细节的，人们看重的是故事的整体和框架结构。

而安导的《制造伍德斯托克音乐节》无疑属于后者。

缓慢的故事情节叙述和波澜不惊的剧情节奏，依旧走的是慢熟型的故事叙事手法。

可是，我们不禁要问：安导，你拍出来的电影到底是要告诉我们一个怎样的故事？

想了解“伍德斯托克音乐节”，我们可以上百度、上谷歌，没必要花费Money去电影院捧你的场，可是你至少要拿出点新意和创意吧。

可是，看看你的“音乐节”吧，有音乐，但只是外衣，有人性，但太过深刻。

你可知道，如今的伍德斯托克音乐节早已成为了美国的一种精神和象征：1969年三天，成了永恒。

三天，40万美国青年云集伍德斯托克三天，“要作爱，不作战”的反战革命口号响彻整个会场可是，我的安导啊，你的外衣披的很好，可是，音乐在伍德斯托克里面是一种精神，但到了你的电影里面却变了味道，音乐有了，很少，人性刻画的太多，音乐，很浅薄，人性太深刻。

于是，这电影，看着多少有点头重脚轻，给人迷离恍惚的感觉，该不是抽了大麻吧？

　　1969年舉辦為期三天的「胡士托音樂會」，這場一直被視為音樂界神話的盛會，如今已經邁入四十週年。

當年與會的年輕男女，現在都已白髮蒼蒼，許多與會的巨星早與殞落，但是這段被視為傳說的音樂盛會卻不停的被人傳頌著。

以往一直被視為自由民主的美國，在那個反戰激烈及社會運動高張的動盪年代，並非那麼的開放與自由。

對於性與種族的歧視，讓人很難與現在的美國畫上等號。

可是如同狄更斯【雙城記】所述：『那是最好的時代,也是最壞的時代』。

當時的人民雖然生活於一個動盪不安的年代，卻因此創造出一場和平與愛的傳奇。

　　不論是參予這場盛會，或者是聽說這場盛會的人；身楚那個年代的人，又或是生長在而後世代的人，都被這場音樂盛事給深深感動。

很難想像一場演唱會能有那麼強大影響力，發生在我還沒出生的時代。

雖說沒有親身與會，但是在求學的過程中，偶然的被《伍茲塔克Woodstock》這部紀錄片的影片紀實給深深感動。

那時候才對所謂的搖滾精神有所頓悟，當時的我心想「如果搖滾真的有一個形式上的精神，伍茲塔克就是那所謂的精神象徵」。

幾年後伍茲塔克因為幻化為胡士托，這場被不斷歌頌著的盛會，又再度勾起所有人對於這為期三天的無盡感動。

　　[劇情簡介]1969年，室內設計師艾略特泰柏（狄米崔馬丁飾）原本在紐約工作，因為父母一再的懇求，決定回到家鄉重整岌岌可危的家族事業---快要倒閉的破爛汽車旅館，正當艾略特還在苦惱要如何挽救這間旅館時，他聽到了一個令人振奮的消息，那就是隔壁城鎮推掉了『胡士托音樂祭】的舉辦權，於是他毫不猶豫馬上打給音樂祭舉辦人，邀請他們來白湖鎮舉辦萬眾矚目的『胡士托音樂祭』，希望音樂祭的人潮可以為乏人問津的旅館帶來生意。

　　在電影推出前，我就按耐不住去買了原著小說來看。

【胡士托風波】這本小說是主角艾略特泰柏的自傳小說，在書的前半段除了敘述他與家人格格不入的關係外，也露骨描寫他的性向以及對於性愛的渴望與病態。

當初邊閱讀時邊思考著，在《色戒》後，李安又挑起他擅長描寫的同志題材作為創作的主軸。

相較於《囍宴》及《斷背山》那種內斂、壓抑的情感，艾略特泰柏的《胡士托風波》顯得開放或者可以說是放縱許多。

而小說取名為【Taking Woodstock: A True Story of a Riot, A Concert, and A Life】，其實與我們以往印象中的《伍茲塔克》紀錄片有所差異，也因此不論小說或是電影，對音樂的部份都少有著墨。

簡言之這本小說其實就是架構在「伍茲塔克音樂會」的一個故事。

也因此在看完小說後，讓我充滿好奇，卻也有點失望。

好奇是李安這次要怎麼去詮釋艾略特泰柏內心對於愛情的渴望與掙扎；失望的是當初希望藉著電影重溫音樂盛事的期待。

　　於是我抱著矛盾的心情進入電影院，電影開始沒多久，便意識到電影其實不同於幾天前才閱讀完的小說，讓當時在戲院中的我腦袋裡起了不小的衝突。

《胡士托風波》像是撕烈般的在我腦袋裡，變成李安版與艾略特兩個相似卻相異的兩個故事版本。

前面提到，艾略特在小說中非常詳細的描寫著他對於自己性向的想法與感覺，前三分之一對於自己性向以及對於性愛的想法與從小到大的經歷。

但是電影相較於小說，書中同志間性與愛的描述隻字不提，片中僅有幾幕以隱喻的方式輕輕帶過主角的性向。

很多人說李安這樣是為了把這部電影將主軸放為主角與家庭之間的描寫，可是我覺得不然。

在小說中因為在那壓抑、不開放的年代，主角艾略特在面對自己的性向的掙扎以及對於家人的認同的追求，藉由這場充滿愛與和平的音樂會，對家人開誠佈公真實的自己。

也因為有那些故事的鋪陳，才讓故事那麼的感人、真摯。

在閱讀小說時，書中的點點細瑣的故事串聯著，給我某種《搖滾芭比》、《冥王星早餐》這兩部電影融合一起的感覺。

但是李安抽離了這個元素後，就像是抽掉了小說的靈魂。

也因此在故事末端父親與艾略特之間的真情告白，這當時在閱讀小說時情緒被推至頂端的章節，在電影中卻顯得突兀又單薄了許多。

　　就在電影與原著的概念漸行漸遠下，對於胡士托這場音樂會的著墨也並沒有也增加許多。

畢竟電影還是以主角自傳式小說為基本，所以也不可能添增太多與小說不符合的部份。

片中許多橋段藉由畫面的分隔，讓電影看起來就像是一部類記錄片的劇情片，很多時候我感覺好像在觀賞《伍茲塔克》紀錄片的更新縮減版，男主角艾略特成為單純的紀錄片的導覽者。

電影在兩面不討好的情況下，一直到結束，我還是不太明瞭著力點到底是在什麼地方。

整部電影讓我較驚豔的地方也僅有男主角與福斯男孩與福斯女孩相遇，吃完LSD以後那飄然的感覺，那真正的人海，讓我有點理解《愛是唯一》中那段我不甚了解的橋段，一種無邊無際的歡愉。

　　也因為電影沒有想像中的精采（對我而言），也是我在上映那天就去觀賞，到現在才打出這篇文章的原因。

但是也不是全然否認這部電影，只是相較於原著，以及與《伍茲塔克》的紀錄片相比，這部片並沒有產生太多的共鳴。

其實片中也有許多可圈可點的地方，尤其是在演員的部份。

電影網羅眾多非一線演員都有很亮眼的演出，不論是艾米爾賀許、尤金李維、丹富樂...等。

尤其是李佛薛伯在片中戲份不多，但是每每出場都很搶眼。

就像是小說中的腳色，粗曠卻迷人，這種兩極的感覺，很難想像還有哪個演員可以像他那麼適合這個腳色。

最後　　當年看完《伍茲塔克》紀錄片後，我帶著自己的熱情到了南台灣參加「春天吶喊」，可笑的是自己因為旅費準備不足，草草結束這趟自以為熱血的旅行。

兩、三年後我終於參加了，但是卻發不如自己想像中的那麼美好，但是到現在卻難以忘懷那種感覺。

我常常想這，要是能參加一場像是伍茲塔克這樣的音樂會，那會是什麼感覺。

我像那種情緒，就像是漫畫家Harold 作石的【BECK搖滾新團】中，夢到撿垃圾那幕的感動吧～。

Like ants making thunder.绝妙的比喻，疯狂的想象，《制造伍德斯托克》花了两个小时热烈而又轻快的描绘了50年前一场影响世界的摇滚盛典，却始终将镜头对准一个叫做Elliot的年轻人，正是他一通莽撞的电话打通了本已因举办地居民强烈反对而岌岌可危的演出。

影片既轻松又平常，没有剧情，也没有太大的戏剧冲突，镜头始终跟随着Elliot游走在他家的Motel，他和父母的关系，他越战归来精神失常的朋友，络绎往来的嬉皮士，自由的灵魂与保守的小镇居民的格格不入。

没有任何外部世界的镜头，唯一点到年代的是Elliot母亲看着黑白电视上阿波罗计划试射的消息。

如果让一个不知道伍德斯托克的人来看，那他只能从这电影中看到一片狼藉的泥泞山坡，不知所措的Elliot看似平静地接受这一切，一点点似是而非的暧昧和戛然而止的情愫，一大批衣衫不整无忧无虑的年轻人，一场琐碎的家庭纷争后决定离开的年轻人。

你看不到塑造了美国一代人精神的音乐节，也看不到任何一支乐队的演出，没有Jimi Hendrix， 没有The Who，甚至唯一一次对准舞台的镜头还是Elliot吸高了之后幻想出来的。

但我好喜欢这部电影啊，一开始看的时候还心不在焉，看到后来有一段Elliot和他的越战朋友Billy的对话我差点没绷住眼泪：-Billy?-Man, I remember this hill.-Remember remember, or, like Vietnam flashback remember?-Remember remember, man.-Homecoming. Senior year. We fucking massacred Monticello. I caught like three touchdown passes. Rum and cokes. And we fucking tipped three of Yasgur’s cows, man, right there, at the top of that hill. And Shirley Livingstone, man, right there, at the top of that hill.-Wait a second. That was you?-Was. Is.年轻真是美好啊，回忆真是美好啊，但是李安马上把镜头一转，两人满身泥泞的奔向众人的泥沼。

也许李安就是在告诉大家，重要的不是音乐本身，甚至不是这场狂欢如何塑造了60年代在之后的美国文化，不是这些年轻人今后如何改变世界，重要的是他们聚在一起，这四十万颗少年心气，重要的是真诚与纯洁本身，重要的是即使茫然却自由的灵魂。

年岁渐长，我们不太喜欢谈论真诚，善良，可李安还是把它拿出来，并告诉你，美好的东西始终是美好的，美好的东西是它本身。

看着男主角呆滞发愣的脸游移在众人间，常常让我想到《毕业生》结尾那张脸，或是《帕特森》里那张脸，那种略带阴郁的年轻人，未知的世界，茫然无措而又信誓旦旦，满怀憧憬却惶恐不安。

演出结束，今夜之后要去哪里？

重要的既不是问题，也不是答案，但你一定要离开，要把东西都装进车里，要踏上行程。

我们来此是为相聚，我们相聚是为离开，希望这段时间是你人生中的微光。

“就把今夜留给今夜吧。

”

先要用两个感叹号表达下对里李安新作的激动之情。

今年戛纳，看到第六部电影，终于第一次感觉，时间愉快的过去了。

然后澄清关于此片的几个说法：1.这不是一部讲述音乐节本身的影片，全片甚至没有一支完整意义的乐队登台。

2.这不是李安的第三部同志片，主角的小艳遇的确表明了他的取向，但同性感情不是故事的主线。

3.这不是一部严肃、深刻的影片，至少不是一部貌似严肃、深刻的影片，它颠覆了李安之前作品的压抑和沉闷，故事流畅而情绪飞扬。

李安的这部小片，也许不具金棕榈像，很多人也许会失望，而对我来说，则是惊喜。

1.诚如李安自己所言，在拍完《断背山》和《色戒》之后，《制造伍德斯托克》是他用来放松的一个小品。

影片拍得情绪飞扬，满足了人们对那格神奇年代的向往，充满了伊甸园式的虚幻的美好，电影对音乐演唱会的唯一正面描述，是elliott和一对流浪的男女分享大麻，然后再山顶远远看了音乐节的全景，其中用华丽的彩色和魔幻的镜头表现了人物沉沦飞扬的状态。

虽然再盛大的聚会最后都是一场虚空，垮掉除了能让我们躺倒，不能解决任何实际问题，但没有沉沦，哪来坚定，没有放浪，哪来自由？

在好莱坞拍了这么久之后，李安终于能自由的用自己的方式解构和yy美国人的经典记忆，想必他也是认同这句话：能垮掉是幸福的。

2.《制造伍德斯托克》以音乐节创办人Elliot筹办音乐会为故事主线：他于1969年的夏天无意中在报纸上发现“伍德斯托克音乐节”原来的主办场地被撤销了，于是打电话给组织者并找到了新的场地，牵扯进这场20世纪最伟大的摇滚音乐节当中，而更重要过的是，在参与这个伟大事件的过程中，elliott本人和父母也重新梳理了家庭和个人的关系。

在很多人的想像中，这部电影主题会是记录一个伟大的事件和一个伟大的年代，而事实上，这部电影却把一个宏大的历史背景当作一个个体人成长的注脚，举重若轻，这不正是李安所擅长的把戏么？

Elliott决定筹办伍德斯托克音乐节，原本是为了吸引客源，解决父母经营的motel的财务问题，但影片最后却探讨了elliott要“到哪里去”的问题。

Elliott的父亲是一位保守、沉默、平淡的小镇居民，压抑的激情却在音乐节中得到了释放，而elliott的母亲则是一个顽固的守财奴，“她只相信现金，对于支票都缺乏安全感”，她对火爆的音乐节充满着复杂的感情。

全片的高潮，是在elliott父母误食含有大麻的蛋糕之后，他们所表现出来的癫狂，完全解除了生活平时的压抑。

而34岁的Elliott也开始正式思考离开家庭，正如他自己在台词中和父母强调的一样，他也许是34万来朝圣的嬉皮士中最单纯和干净的一个，可是对未来的迷茫却是一样的.3.对美国人来说，伍德斯托克音乐节不仅仅是一个音乐节那么简单，3天45万嬉皮士的聚合，几乎零死亡的摇滚聚会，它更像是一个时代神话般的Icon，它是所谓的垮掉的一代记忆中最美好而纯洁的一部分。

因此当李安选择这个题材的时候，就好象他当年去挑战简奥斯汀的《理智与情感》，属于闯进了美国民族的精神私属领域。

但是，任何故事，李安来拍，都是他的电影。

《制造伍德斯托克》此前在美国试映的时候，并没有取得一边倒的叫好，即使在戛纳放映之后，欧美的记者也给出了比较保守的评价。

对西方人来说，伍德斯托克是一个更具时代意义的象征，应该像去年索德伯格拍《切格瓦拉》那样拍得沉静而宏大，即使镜头沉闷无聊那也是可以被原谅的。

像李安这样用个体和家庭这样一个小的切口去表现，恐怕是他们不愿意看到和认可的，也许他们会觉得太轻浮。

此外，电影对于音乐的表现的确太过吝啬，这当然跟李安电影角度选取有关，也可能和李安无法准确把握那个时代音乐精髓，刻意回避有关。

还是不能两全的遗憾了。

4.在《喜宴》和《断背山》之后，李安显然被定为“背背大师”了，因此《制造伍德斯托克》在此前的媒体关注过程中，同志题材一直是一个焦点。

但从剧情看，尽管影片中也有一个异装的粗壮男人，但他和elliott只是友谊，而且表现的是对自由的追求：“我知道我是什么，别人是否知道我是什么有什么关系”。

《制造伍德斯托克》是根据音乐节创世人elliott的自传体小说改编，在原著中的确有很多他个人取向的内容：正是因为音乐节崇尚自由的感召，一直没有出柜的他才向父母袒露实情。

应该说这部分内容是很贴合李安要表现的主题，但从电影成片来看，李安似乎刻意淡化了这部分的内容，家庭故事在爱情故事之上，至于这样取舍的原因，还是发布会上去问问他本人了。