阿赫德的膝盖

6.5/10.0。充斥着金属味儿和洪荒之力的开场让人眼前放亮，导演全程使用近乎华丽、酷炫的歌舞片式主观镜头营造出了独特的菜谱：用歇斯底里的调料来烹饪对保守主义的控诉。这无疑是属于作者电影的创新，有意营造了一个双面镜的寓言：一方面是体制内知识分子对残酷现实的置若罔闻乃至皈依，另一方面是体制外自由人士对太平假象的精神贫瘠无能为力。这种复杂的叙事也许部分指向了以色列的历史经络和模糊的某种国民性，以及特拉维夫和耶路撒冷所代表的自由和保守的气质冲突。但又掺和了诸如家庭、战争、“奇迹”、隐晦感情线等诸多母题和文本要素。过于丰富的信息让影片的最终效果大打折扣，导演醉心于浮夸炫技的时候显然也忘记了“less is more”的道理。

我看不了这种过于追赶时髦的导演拍的电影

相当尖锐，中间那段狂轰乱炸的爆骂印象深刻，但观感有点干，看下来记得唯一一句不是指着鼻子骂的控诉“当我们在摄影棚拍摄时，我们失去的是自然光。”很容易就想到emmm了，文化审查请消失。

你看他时而激进高昂，时而低吟浅唱，时而似波涛汹涌，时而又柔情似水。满满的政治诉求，愤慨而凶猛。几乎放弃了正反打，频繁甩镜头。带着某种浓烈的自我沉迷。才气确实有，但是这次精于设计，匠气太足。

自恋的中年男子伤痛影像，一个拿着国家电影基金控诉国家审查制度的导演，对着镜头一本正经地痛骂又痛哭，仿佛一个陷入tantrum的婴儿，给我看笑了，应该加一个「喜剧」标签。

让我们关注形式和手法。拉皮德是一个很注重赋予摄影机身份的作者，这部男主的独舞的拍摄，不能说是解放摄影机，因为摄影机的运动是无序的它没有任何动机——也不是根据男主动作作运动，唯一有的就是这个摄影机可以是观众可以是某种东西或者是电影本体——与男主共舞。拉皮德拍对话不甘于常规性的正反打，加入了pov视角的对话镜头并让摄影机做出模拟转头看向别处的手法，当然也有常规性的对话中的博弈甩镜头代替剪辑。最让我喜欢的就是脸近乎贴到一块的对话拍摄，情绪能量很有意思。

这视听颠的... 原来叫解放摄影机 私人感受落实的产物 导演再通过角色记忆表达 怪复杂的

有些癫狂

相较《同义词》《教师》两部前作，似乎水准下降很多，导演面对旷野、村民、政府的发泄、暴哮，感觉还是抓不住着力点，政府并没有限制、审查他的作品啊！

焦虑倒是彻底传递过来

8.2分，导演真的杀疯了，男主对他国艺术政治化的叛逆，对不相信母亲去世的叛逆不仅体现在文本中，竟也体现在影像视听风格之中，叛逆到如戈达尔一般疯狂！皮拉德将导演角色对他国艺术政治化的鄙夷，用其幻想的空间——一间房子里十个人、一幅死海画，挑战的是文化部的力量，展现了男主对他国文化的不屑，也展现了皮拉德对政治的不屑。PS：身处这片大地，可谓是指桑骂槐了！

还真有点黔驴技穷了，这套手法我已经不吃了，就纯粹给人一种生硬和卖弄的感觉。

3.5 野性的调度，狂躁的输出。可以肯定的是，这导演拍porn绝对好看

3.5

好吧，还是更喜欢《同义词》。

一部重新定义类型的电影，拉皮德用私人化的影像，对躲在民族主义劝诫背后粗俗的统治者进行凄厉的控诉。可鄙的法律能阻止新鲜空气，真话会把人拖入地狱，当艺术的话语权掌握在厌恶艺术的人手中，一切荒谬的作秀都是毫无意义的谎言。

拉皮德终于找到《定理》中的荒原，却穿上皮衣，忘了赤裸。

A / 用第一个被押运的镜头带来虚假的主角，用填充与搬演试图告别穿透巴黎的《同义词》，最终以声嘶力竭乃至干呕的姿态呼唤或鞭笞着那始终沉默的故国。被重复倾吐所开掘的被摄物只能被迫登上舞台/悬崖的边缘。因为对“秘密”的假意赞美从未让那一连串超负荷的语词挣脱我们的肉身。而当手与眼、宣言与面容之间撕裂性的共振发生，当声音逃离并反观毫无秘密却宣称包容着秘密的生活，那眼泪中片刻的恩典才有可能降临——此时的镜头才真正无惧于“人物”的缺席，而只把自己交给那对荒漠的注视。

技藝也沒什麼好挑剔的，但我就是不偏愛這種把導演觀點很直白的參雜在對白的作品。

pov运用的奇思妙想使摄影机完全成为了一个独立的个体 混合着大特写之后 让观众和人物建立起一种带有情绪起伏的间离关系 视听的跳脱最终还是受文本单薄的束缚 但也无法想出比直白露骨的控诉更有力的方法了