西区故事

2021美国歌舞片《西区故事》，根据1957同名百老汇舞台剧改编，全球累计票房7258万美元，定级PG-13，豆瓣评分6.3，时光网评分7.9。

本片是大导演史蒂文·斯皮尔伯格的最新作品，不过娱乐性可远远没有距离本片最近的2018年《头号玩家》那么精彩。

看完本片，我没搞懂为何斯皮尔伯格要翻拍这个百老汇舞台剧，要知道斯皮尔伯格是很少搞翻拍的。

因为有着1961年的同名电影，所以评价本片，肯定要将二者比对来看。

正所谓“不怕不识货，就怕货比货”。

与1961版相比，2021版强化了歌舞的娱乐性，强化了剧情的真实感，强化了背景布景的真实感。

1961版可以说是大型布景舞台剧，有着浓烈的舞台剧痕迹，而2021版则是带有音乐歌舞元素的剧情片。

2021版是现代意义上的歌舞片，而1961版则是舞台剧以电影形式呈现。

1961版戏剧化，2021版写实化。

1961版和2021版的优劣各不相同，1961版的歌舞戏没亮点，爱情戏有亮点，作为歌舞片，亮点本末倒置了。

2021版则反过来，歌舞戏有亮点，爱情戏没亮点。

2021版的歌舞戏劲爆，热闹，欢快，视觉冲击力强，娱乐性强。

不过爱情戏拍得不如1961版有意思、有味道，结局煽情力道不足，不够悲情。

在剧情上，2021版和1961版一模一样，几乎没有区别，编剧和导演并没有做出剧情上的改动。

在角色设置上，2021版仅仅将男主的恩人由老头改为老太，除此以外的角色都和1961版没有区别。

毕竟2021版也是改编自1957同名舞台剧，只能忠于原作，不能面目全非。

男主是《星云里的错》《极盗车神》的安塞尔·艾尔高特，他天生一副娃娃脸，虽然已28岁，不过在本片中出演二十岁痴情小伙子，毫无违和感。

女主是新人，豆瓣中显示本片是她的第一部作品，怪不得我看着如此眼生。

她是波兰/爱尔兰/德国/意大利混血（真够杂的了），大眼睛，大嘴巴，宽眼距，棕皮肤，看着不是很舒服。

两位主演都不是专业歌舞演员，所以歌舞戏都没有亮点。

女主只唱不跳，男主有唱有跳，歌舞这种才艺非短时之功，两位主演没能为观众献上令人眼前一亮的歌舞表演（我此时想到了歌舞片《芝加哥》的主演凯瑟琳·泽塔-琼斯虽然也不是歌舞演员，但是却奉献了极为惊艳的歌舞表演）。

影片在台词上有一大败笔——非英语台词过多，角色语言在英语和非英语间不断穿插变换，观众一会明白，一会不明白，一边看一边还要猜测没有字幕翻译的非英语台词是什么意思，严重干扰了观众的注意力，影响了观众的投入度。

导演为了刻画非美国角色，可以适当地加入非英语台词，但是非英语台词过多就是过分了。

莎士比亚确实厉害，《罗密欧与朱丽叶》这个戏剧冲突极为强烈的故事六十多年来被各种改编，赋予各种时代背景，每个作品都非常精彩。

从本片有多款中文海报来看，有可能要引进国内上映。

一句话，如果还没看过这部电影的，就别看了——不如再去把1961年原版电影找出来看一遍。

是我大意了，真的。

我原以为在LMM已经成为美国主流文化代表人物的今天，是时候可以重新讲述一下波多黎各裔上世纪50年代来纽约定居的“美国故事”了。

但是我忘记了，音乐剧翻拍成主流商业电影并不容易。

当初拍什么像什么的伊斯特伍德，因为拍了电影版的《泽西男孩》差点儿让我觉得晚节不保。

何况是近几年几乎拍一部我失望一部的斯皮尔伯格。

当然了，这个电影表现力不佳，也不完全就都由斯大师背锅。

那么我们今天就借由对本片各主要部门的功过评定，来简单聊两句，在21世纪，该如何翻拍一部musical？

1、歌舞范式与现实主义表现手法的分野歌舞片作为好莱坞成熟的类型片之一，在上个世纪中期曾经非常受欢迎。

那个时候电视还没有在普通家庭得到普及，看电影要专门去电影院，某种程度上，这项活动的隆重程度和看一场舞台演出类似。

那个时候的观众不会纠结于银幕上的角色走着走着路突然在街上来了一大段踢踏舞或者情到浓时脱口就是一段咏叹调，音乐片，虽然在表现手法上会比人们的日常生活夸张许多，艺术嘛，总是要高于生活，而演员们的悦耳歌喉和曼妙舞姿给观众带来了极强的视听享受，大家会欣然买账。

于是，很多歌舞片的叙事“语法”就逐渐被固定了下来，与当时如日中天的音乐舞台剧一道，从有声电影产生初期一路火到了60年代。

观众印象中最经典的歌舞片大多产生于那个时代（R&H什么的，横跨百老汇与好莱坞）。

后来音乐剧和歌舞电影开始分化发展，音乐剧挣扎过一段时间后，随着流行文化的变化，开始有更多曲风，民谣、摇滚、说唱，也开始出现小清新的舞台，更加自然平时的艺术风格，但是不论如何，因为音乐剧始终是高度“舞台化”的，观众在观剧的同时已经默认了舞台上发生的一切“不是真实生活本身”。

但电影就不一样了，大部分电影是不能突破“第四面墙”的艺术，有着无限趋近于真实的场景，天然就有让观众信服的义务。

所以，一部真人歌舞电影，怎样做才能让观众“不出戏”，就变成了重要的命题。

基于我上述论点，相信大家不难理解，为什么动画片做歌舞片就要容易许多。

事实上自90年代以降很多经典的歌舞片都是动画片。

而原创的真人歌舞片越来越少，近年受到主流艺术/商业双认可的就更是凤毛麟角（当然了，歌舞的创作成本较高且涉及跨界，大部分电影导演也不会凭空就选择歌舞作为自己的叙事手段），而且这类影片大多看起来“非常复古”。

近几年最具代表性的也就是2016年的《爱乐之城》了，下一年的《马戏之王》勉强也可以算一部，但是《马戏之王》受到的关注和吹捧基本都没有出圈。

再往前数，恐怕就是2001年的原创电影《红磨坊》了，凭借巴兹卢瑟曼精美的艺术风格和男女主角的完美演绎，获得了口碑与票房双丰收，在多年后反向输出到舞台，有了自己的改编音乐剧。

但是《红磨坊》的成功仍然比不了第二年的《芝加哥》，而后者则是对经典舞台剧的翻拍。

而在华语影坛，凭我个人印象21世纪能达到这样成功的主流歌舞片就只有陈可辛的《如果爱》。

可见这个品类，放在今天，并不好驾驭。

除了上面列举的几部优秀的原创歌舞片，大部分歌舞片都是传奇音乐人物的传记，或者音乐舞台剧的翻拍。

好处在于，当电影创作时，你已经有了一个成熟的、且具有一定票房号召力的IP，有了剧本的蓝本（注意，改编电影时剧本仍要进行再创作，但是毕竟是改编，而且原始素材招人喜欢和惹人讨厌的地方都是经过市场印证了的），还可以在相关跨界领域寻找演员（音乐圈演音乐人、舞台剧演员演舞台剧的电影版，有些还自带名气）。

而挑战则是，原始素材可能已经过分深入人心，而它一开始并不是为了【电影艺术】所创作的。

个人见解，一部音乐舞台剧要翻拍成电影时，挑战最大的主要是三方面：音乐、镜头和舞蹈。

这么说似乎有点多余哈，音乐和舞蹈本来就是musical的灵魂要素，而镜头设计则是电影艺术的灵魂所在，但是，当艺术形式转化时，最先产生矛盾的恰恰就是这些核心部门。

关于音乐，有些musical可能没有那么看重舞蹈，但是所有的musical都一定非常重视音乐。

电影导演允许原曲谱在影片里占怎样的比重？

选择什么样的编曲风格？

更重要的是，和电影的整个声音部门怎么配合？

一部影片往往有比较统一的风格设计，当重要的歌曲唱段响起的时候，我们会进入情绪性段落，听角色唱歌抒情，但是在叙事的主体段落呢？

在歌曲的间隙呢？

在黄金年代，一部歌舞片可能会选择用全配置的交响乐团（full-orchestra）将曲谱满铺整部影片，但是那种审美意趣已经和当今观众的观影习惯脱节了，当我们看到主人公在城市的街道上走路的场景，我们可能会期待更真实自然的环境音，会希望配乐能够低调一点，而不是时刻彰显自己的存在感。

而“幕间戏”的编曲风格又需要和核心唱段保持一致。

很多时候，作为一部21世纪的新作品，导演们会尝试时髦、轻巧的编曲风格，以期让“讲故事的手法年代和电影产生的年代保持统一”。

我举个例子，上面提到的《红磨坊》剧情背景设定是十九世纪末的巴黎，所以该片在art design（服化道美术）上要营造出那个年代的氛围感，但是该片的歌曲却大量使用了流行音乐的元素，不论歌词、曲风、配器、演唱技巧，以让观众get到这是一个讲述于2001年的故事。

我再举个不那么成功的例子，著名音乐剧《歌剧魅影》讲述的也是十九世纪巴黎的故事，但是因为舞台剧是二十世纪八十年代创作的，韦伯把曲谱写得非常古典，编曲却又混杂着大量80年代midi风，该剧至今仍在上演，风格也相对固定了下来。

结果当《歌剧魅影》2004年被改编成电影版的时候，电影导演不太敢动原作的音乐风格，韦伯自己写了首相对风格与时俱进一点的新歌，却融不进原剧，只能放片尾字幕的时候放。

显然，原曲谱越古典，和当下流行风格的gap越大，改编难度也就越大。

2012年汤姆霍珀翻拍《悲惨世界》的时候，因为坚持所有演员现场演唱收音，差点儿扑街，勋伯格粉丝也会痛心于浪费了那么宏大气象的曲谱，但是好在，没了勋伯格光是靠雨果也撑得起这个IP。

那么回到2021版《西区故事》，西区故事的原作之所以成为经典首先得益于伯恩斯坦的大师曲谱，这点显然斯皮尔伯格也没有太创新的解法，只是在一个相对减量版的配乐中加入了大量的空隙，用弱化音乐甚至没有音乐的段落塞了不少“文戏”进去，而这些，让我觉得影片节奏无比冗长，戏剧张力大大减弱。

关于镜头设计和编舞我放在一起说。

简单讲，一个不懂编舞的导演拍不了音乐剧，就如同一个不懂镜头该怎么运动的导演拍不了电影一样。

这个门槛并不低。

漂亮的舞蹈动作并不仅仅是为了“炫技”，而是组成叙事不可或缺的一部分。

而在舞台上，因为观众的“观看”（observation）是相对客观/外在的，可以说，大量的舞蹈动作原本就是为了“固定机位”而设计的。

但是到了电影中，在一个更加灵活、流动的空间内，我们从哪看、怎么看这些舞蹈场景，就构成了全新的叙事，again，因为运动镜头在影片中经常被用于表现内心戏，而我们在看歌舞的时候，特别是宏大的舞蹈场景，一般不想拆穿这个“第四面墙”让观众意识到导演的存在，但是又不能真地放弃“选择”和“引导”，舞蹈场景的机位怎么运动，就成了特别的难题。

有不少musical在翻拍的时候弱化了舞蹈的部分，比如伊斯特伍德拍Jersey Boys, 除了主人公上台演出的段落，感觉就像一般的故事片，which might be fine… 但是当原作舞蹈特别精彩特别重要的时候就不合适了。

当然，同样的舞蹈动作，在舞台上是否合理和在电影场景中出现是否合理是截然不同的，一个代表性反面案例就是2008年的电影版《妈妈咪呀》，舞台剧导演把新郎和伴郎们穿着潜水服的那一段“lay all your love on me”舞蹈动作直接搬到了海岛实景中，让他们一个个地跳入海里去了……即使是喜剧这样的桥段看起来也毫不幽默，而是让人觉得他们都是神经病。

我觉得造成这种失误的原因就是不同艺术形式对“写实”的接纳程度不同。

正面教材当然就是2002年的电影《芝加哥》，虽然是音乐剧的改编版本，所有编排调度却大不相同，既要“再创作”又要保持Bob Fosse原choreography的神韵，是很难的，而因为他们完成度高那年甚至得了奥斯卡最佳影片……所以说，如果2021版《西区故事》有哪里可取，就是卡明斯基的摄影输出还是很稳定的。

看完第一大场戏我其实还蛮惊喜的，因为the Jets song的表现一定程度上会体现出电影“写实”的程度：高度还原的50年代纽约街景、在建的林肯中心、写实的环境音和伯恩斯坦曲谱的融合、人物在较大范围内走动的同时开启标志性舞蹈动作、以及行云流水般的运镜和不断在大小景别间切换来平衡“真实感”与“舞台感”……如果导演和DP完全不懂舞蹈，是很难做出这样的调度与镜头设计的。

可惜，一切美好的幻想在男主出场后就破功了(￣◇￣;) 这样就让我们开启第二部分的讨论—— 2、一部翻拍作品最重要的是什么？

是卡司，是卡司，还是卡司即使从来没看过《西区故事》原作音乐剧和61版电影，也完全不了解剧情梗概的观众，仍然会在影片相对靠前的位置（最迟到舞会那一场戏）就了解到，这是一个背景设定在上世纪中叶纽约街头的莎士比亚的“罗密欧与朱丽叶”的故事。

到了故事的结尾处，主角们可能像莎剧原作中一样，全死去，也可能作了新的编排，但是相信我，观众不是来看剧情的。

结局不是悬念，或者至少不重要。

这跟观众在看作为原创故事的“啦啦蓝”时的心态完全不同。

名著的一部分，就是观众是走进剧场/影院来观看一个他们已经熟知的故事的。

这些角色是观众熟悉的，而且他们带着非常强的前设。

所以每一版翻拍作品，在宣布卡司的一刹那，就已经锁定了影片的最大悬念：这几个演员演绎这些角色怎么样？

是否有说服力？

是否赏心悦目？

很多时候观众心甘情愿掏钱花时间，是为了看明星：like, “OMG Meryl Streep could actually sing!” or, “什么？

狼叔那么瘦弱居然去演冉阿让？

我不同意！

”不管赞美还是吐槽，看了再说，因为卡司引发了我足够的好奇心。

不是明星也可以，我会愿意看性转版的天鹅湖、全少数族裔版的汉密尔顿、或者就是some random young pretty faces. 而作为一部音乐剧翻拍电影的卡司，大家主要会从三个角度去评价演员的演绎：唱功（包括舞蹈技巧）、演技和扮相，就跟歌剧或者戏曲差不多哈哈。

这三点，缺一不可，特别是主角，如果任何一方面缺失都会让观众想要退票。

2021版的《西区故事》给我观感如此之差，选角导演可能得背一半的锅——搁着那么多唱功舞技演技甚至江湖地位均过硬的配角和群演，上哪儿挑了这么离谱俩男女主？

Tony像个木头人一样让人出戏，Maria长得没毛病但是塑造得像个痴女，俩人的爱情戏何止不convincing，完全让人尴尬。

要知道，这种爱情故事，最重要的就是男女主角之间的化学反应，如果没有，整部影片就会变得滑稽。

特别是莎士比亚给罗密欧与朱丽叶安上了那种“一见钟情”的桥段，就更难演绎。

当然本剧男主不仅爱情戏演得不好，跟哥们儿的情感也完全看不出来，已经到了他出现我就想快进的地步。

至于子弹姐的Anita，确实塑造得非常有魅力，但是也不值得单为了她看一遍这部电影，这么说吧，Anita这个角色写得就比较讨巧，历届都是谁演谁得奖，虽然2021版的Anita进行了一些更加现代化的twist，但是我觉得综合表现力并不比61原版电影里的Rita Moreno更好，而Moreno演员本人更是作为制片人之一参演了本片（饰演Valentina），还贡献了一首新歌，但是有点强行加戏了我也不太买账。

剩下的演员基本都是舞台剧演员了，想看他们的精彩演出大可以找点舞台版的视频，包括我非常欣赏的音乐剧演员Brian d'Arcy James，是不是自《傲骨贤妻》《嫌犯追踪》以来就专心在好莱坞跑龙套了啊？

3、精英话语权的削弱与“美国式说教”作为斯皮尔伯格操刀的主流商业电影，2021版《西区故事》不出意外地带有强烈的政|治色彩，而且是过于露骨、过于絮叨的那种“爹味说教”。

种族矛盾和冲突，从上个世纪伴随着有色人种往美国的移民潮和美利坚民族想象共同体在重塑过程中“精英”与“大多数”对话语权的争夺，从未停止过。

时至今日（2020年代），这一问题不仅没有得到解决，反而随着【母语为西语的人群】（美国式political right lol）在人口比例中的不断增加和社会贫富矛盾的加剧，变得越来越尖锐，美国“人民”不是越来越团结，而是越来越撕裂。

影片中已经用非常直白的台词说明了帮派斗争背后的真实推动力，不是种族仇恨，而是经济利益（“It's not about races; it’s about terrirories.” ），并且，把这两群可怜的青少年留在这个人间炼狱互相争斗的是阶级的壁垒（提示：50年代的纽约西区还是底层人混迹的、治安最差的街区，但是林肯中心马上要建起来了，以后就是你们都高攀不起的地段了……）当然，可能故事里的秩序代表者（警官）会把这些孩子们的不幸归结为他们的父母没有努力，酗酒、吸毒、游手好闲，没送他们去受良好的教育，而我们都知道，在那之上还有更沉重的力量扼住这群孩子命运的咽喉。

但是不管怎么说，这样的问题，点到为止就好了，观众明白了就明白，不明白就算了，到底有没有必要喋喋不休以至于破坏叙事的流畅性？

本片的剧本改编是美国著名编剧Tony Kushner，这可是写出过《天使在美国》这样masterpiece的人，而且他的剧本改编能力并不差，至少他是非常witty的。

我不理解为什么本片的说教那么傻愣愣的，不知道Tony Kushner是不是被斯大师的“爹味说教”给洗脑了，愣是在每次戏剧冲突大小高潮来临前后都要插入大量冗长的文戏，就讲道理，不讲感情。

斗殴之夜、Riff和Bernardo死了以后离电影结束居然还有40分钟，虽然基本情节和舞台剧、原版电影是一致的，但总给人“Tony死太慢”的观感……当然了，现在是2020年代了，做一部主流商业电影，你不可能让所有观众都满意。

花一个亿重拍一部奥斯卡最佳影片、（准）影史最佳音乐电影需要怎样的勇气，艺高人胆（钱）大（多）的迪士尼可以告诉你。

可能是它在音乐剧版的《哈姆雷特》（《狮子王》）上尝到了甜头，所以想看看唱唱跳跳版的《罗密欧与朱丽叶》能否复制辉煌。

也可能是被“儿《西》梦”的斯皮尔伯格感（忽）动（悠）了（片尾他把本片献给他刚去世的父亲），号称“分裂仇恨何时了”的主题在今天尤其有意义。

于是找大咖重新编舞、调整若干首歌的顺序和场景、加入跨性别者和黑人角色、西语不打字幕（这个操作我也看不懂），一出老纽约古惑仔爱情悲剧再次上演。

我对新版没有成见，事实上包括最佳影片在内的七项奥斯卡提名足以表明本片成色。

但我对这个故事本身一直有所保留，其问题出在：Tony杀了Maria亲哥，为什么前者不自首而后者还想跟他私奔？

你可能会说《罗朱》，但那是十六世纪啊，而且杀的是没什么感情的表哥啊，而且朱丽叶被逼婚了啊，而且我也觉得年轻人太冲动啊！

00后的演艺圈素人Rachel Zegler从推特的三万申请人中脱颖而出，然后大银幕首秀就拿下史上最年轻金球奖影后（音乐喜剧类），麻雀秒变公主。

另一位拉美裔演员Ariana DeBose则是百老汇常客。

在摄像机前吼两嗓子扭两下拉丁简直小菜一碟，降维打击般包揽一众最佳女配角头衔。

7.1/10斯皮尔伯格在新《西区故事》里加入了很多东西，这些东西有的是时代的进步，比如画面等视听语言的现代化升级、服化道的升级；有的是他个人对故事的丰富和一些小细节的加入，比如细化恋人相爱过程、添加帮派内部沟通、增加打斗细节、老太太这个角色的强存在感等等。

这本质上是正面的。

然而这些新东西几乎没有触及深层次的剧本或人物，61版最突出的罗密欧与朱丽叶式的剧情上的硬伤原封不动。

不仅如此，偏黄色的色调、磨了皮的小年轻、浮夸的表演以及色彩溢出的服装等等都让它充斥着那股子好莱坞工业流水线的千篇一律与迪士尼歌舞的塑料质感。

技术的进步不仅没有使老片重焕青春，反而连老电影脏兮兮的街区与雾蒙蒙的时代滤镜也完全丧失了。

特别提及一下，电影的视听语言相当精彩，斯皮尔伯格与卡明斯基将光线与摄影运用地炉火纯青，斗舞等等几场戏仅就场面调度与视觉呈现来看堪称完美。

不探讨舞台剧，仅就电影而言，如果没看过61版，那这版《西区故事》尚且算过得去。

但如果两部连看，你就会发现在IP的延续上，斯皮尔伯格毫无进步，他并没有把这个本就俗套单薄的故事变得引人入胜，而又弄巧成拙地使它失去了时代质感。

我坚持我的观点，歌舞剧的第一要义是流畅是带动人的情绪令人快乐，剧本要靠后站。

但电影的第一要义在有一个相对完整令人信服剧本。

那么具体到歌舞电影，对于导演与编剧以及剧作本身都会是多方面的极大的考验。

这或许也是歌舞类电影令很多人尴尬但也能出很多经典之作的原因。

又或许，《西区故事》本就不该获得电影上的成功，本就应该在舞台剧的框架内发光，精神内核的缺失使它换成哪个导演都很难焕发第二春。

评分这么低吗，我一个对罗朱相关作品趋于苛刻的观众都觉得还可以啊，这个完成度和choreography对得起《西区故事》了。

向来对斯皮尔伯格无感，但不得不说真稳啊！

摄影编排和原版的对应度都挺高的。

阳台的对白删了几句，只留了anton名字那里有点不爽，但是我对于太熟悉的作品就会比较龟毛…就罗朱的故事再看100遍还是觉得damn you Shakespeare for breaking my heart！

从gym相遇就开始心碎了…然后必须赞美桑和bernstein两位爷爷的词曲，经典永流传是有原因的。

批评主要集中在男女主的表演，两个主演确实差一点吧，但是唱都没什么问题，Rachel唱功之前已经有所体会了，ansel小惊喜，毕竟Laguardia出来的学生多少还有点才艺在身上的(小声希望小男孩们都洁身自好！

妈妈真的受不了塌房…rita奶奶的角色设置是亮点，somewhere改由她唱是全片最佳改编，信仰崩塌的感觉太虐了…Anita演的出色，不过这个角色形象向来容易出彩，比如当年rita奶奶～Brian的警察是bonus，可惜不是singing part…至此本年度bp单元结束！

说实话，这个电影好的地方是真的好，烂的地方合作真的烂。

由于好坏交错，经常有一种莫名众星捧💩的感觉 我喜欢的地方：绝大多数的选角都很在线， Ariana DeBose， Mike Faist 包括新人Rachel都非常出彩。

如果说普通人的眼睛是窗户，那Ariana眼睛就是钻石了， America那首歌里真的是眼睛里都闪着火彩！

Mike Faist舞蹈唱歌演技每一项都很赞，我最喜欢他去买枪的那场戏。

Rachel作为新人真的很不错，她声音真的好甜啊。

我很喜欢让Rita演Valentine然后唱Somewhere这个改动！

她唱这首的时候真的有一种超脱出宗教意义的慈悲感，在苦难中保持希望，继续前行。

因为我个人不是很懂编舞，我只能感觉到看了以后舞蹈好帅啊。

但是我非常喜欢电影里对灯光的运用， 每个镜头都非常漂亮。

我不喜欢的地方剧情逻辑，好吧，这故事是罗朱改编的要求剧情逻辑是强人所难，电影也确实试图给冲突做更多的逻辑铺垫，但是罗朱故事就是不make sense啊剩下都是对男主吐槽了，可以跳过去了朋友电影前给我打了预防针，说男主唱歌难听，但是男主一开口Maria我真的笑出声了。

从此以后他唱歌电影院里真的是一片欢声笑语，我还以为我自己看了个喜剧。

而且他和女主合唱的几首真的好像是女主在做声乐教学，同样一句真的拉垮太多了。

Tonight唱得像phantom！

女主教一个没感情的小C！

男主唱歌🙄️ 就算不谈技巧，声音里完全也没有故事感和叙述性。

舞蹈灾难演技麻麻，连肢体语言都非常难看，几场高光戏处理的都毫无感情。

他以为女主死了以后的那场戏更是灾难，这到底是为什么 。。

今天聊聊美国电影《西区故事》。

片名West Side Story (2021)，别名西城故事(港/台)。

《西区故事》改编自1957年的同名百老汇音乐剧。

讲述白人移民“喷气机帮”（Jet）和波多黎各裔“鲨鱼帮”（Sharks）在纽约街头争斗抢地盘，属于“喷气机帮”的托尼（Tony）和属于“鲨鱼帮”的玛丽亚（Maria ）产生情愫，上演了一出类似罗密欧与朱丽叶的悲剧爱情故事。

1996年时，迪士尼公司曾经尝试改编翻拍电影版的《西区故事》（West Side Story ，1961），并计划由贝纳尔多·贝托鲁奇（Bernardo Bertolucci）执导，但该计划最终未能实现。

后来史蒂文·斯皮尔伯格（Steven Spielberg）成了本片导演。

《西区故事》也是他首次执导音乐剧。

他之前在20世纪80年代初计划开发一部名为《一卷接一卷》（Reel to Reel）的半自传体音乐电影，但该项目最终被放弃。

斯皮尔伯格表示：“我一直在挑战什么才是适合我的音乐。

我永远不会忘记我的童年。

当我第一次听西区故事专辑时，我才10岁，它从未消失。

我已经能够实现那个梦想，履行我对自己的承诺：你必须制作西区故事。

”于是他决定接手拍摄一部改编自1957年百老汇音乐剧。

斯皮尔伯格看中的影片主题是志同道合的人之间的分歧。

这种分歧伴随人类历史由来已久。

在1957年时，这种分歧发生在鲨鱼帮、喷气机帮之间和内部，60多年后，这种分歧依旧存在，甚至更加分裂。

只要和种族、信仰、地域等等各种东西沾上点边，都会闹得不可开交。

《西区故事》原计划2020年12月18日上映，因为疫情缘故，一直推迟到2021年12月10日才上映。

影片上映后叫好不叫座，深受学院派的欢迎，在今年奥斯卡获得七项提名，包括最佳影片和最佳导演奖，成为自《叛舰喋血记》（Mutiny on the Bounty ，1962）以来，第一部获得奥斯卡最佳影片提名的翻拍电影，也是《西区故事》（1961）之后，该音乐剧第二次获得奥斯卡最佳影片提名。

老版《西区故事》仍是历史上最受赞誉的电影音乐剧之一，在1962年第34届奥斯卡颁奖典礼上获得了10项奥斯卡奖-包括丽塔·莫雷诺(Rita Moreno)饰演的安妮塔(Anita)的黄金雕像。

本片在北美地区获得票房3811万美元，全球票房7252万美元，这部备受赞誉的电影成本达到1亿美元，票房上可以说是个灾难。

影片中歌曲顺序遵循了舞台音乐剧最初的歌曲顺序，只有两个例外。

《Gee, Officer Krupke》被移到了更早的位置，《Cool》由托尼唱给里夫听，而不是里夫唱给喷气机帮听。

编剧托尼·库什纳（Tony Kushner）表示，这部电影将更符合阿瑟·劳伦斯（Arthur Laurents）的原著，而不是1961年的电影改编本。

史蒂文·斯皮尔伯格执导时，坚持要求所有拉丁裔角色都由真正的拉丁裔演员扮演。

为了避免原版电影中的棕色面孔问题，史蒂文·斯皮尔伯格特别邀请拉丁裔演员参加鲨鱼帮试镜。

他在多个种族中挑选了拉美裔演员，比如瑞秋·泽格勒（Rachel Zegler）哥伦比亚人，阿丽亚娜·德博斯（Ariana DeBose）非裔拉丁裔。

阿丽安娜甚至担心自己太黑了，不适合演角色，但斯皮尔伯格坚称她是完美的。

这部电影也是史蒂文·斯皮尔伯格献给他老爹阿诺德·斯皮尔伯格的。

阿诺德·斯皮尔伯格是一名电气工程师和二战退伍军人，2020年自然死亡，享年103岁。

本片也是瑞秋·泽格勒的故事片处女秀。

她能得到这个角色是因为她在YouTube上的演唱给斯皮尔伯格留下了深刻印象。

她16岁时，曾经在舞台上扮演玛丽亚，皮尔伯格认为这是他见过的最棒的玛丽亚。

瑞秋·泽格勒原本没有出演任何电影角色的经验，但获得《西区故事》女主角的消息传出后，让她进一步获得了《雷霆沙赞！

众神之怒》（Shazam! Fury of the Gods ，2023）和《白雪公主和七个小矮人》（Snow White and the Seven Dwarfs ，2022）中的重要角色。

说实话，我无法get到这样一位白雪公主的美……

出演飞机帮头目里夫（Riff）的是迈克·费斯特（Mike Faist）。

迈克·费斯特最初是为托尼试镜，后来他被要求为读里夫的台词，最终获得了里夫角色。

同样的事情也发生在1961年的电影中。

迈克·费斯特一开始身材苗条，但他获得里夫这个角色后，开始研究上世纪50年代帮派成员的样子，于是减掉了20磅，变得更加纤瘦甚至营养不良。

后来斯皮尔伯格不得不介入，让他停止减肥，以免危及健康。

大家对罗密欧与朱丽叶式的悲情故事都不陌生，在总体情节不改变的情况下，如何拍好就看演员的演绎了。

越是没有谈过恋爱的人，才越会觉得爱情比生命还重要。

所以演员要表现出天真烂漫年轻无邪的感觉，只有理性程度低到极低水平，观众才会觉得这种为爱出走的故事有可行性。

一旦主人公有一丁点儿成熟稳重油腻的感觉，那就会毁了整体效果。

所以斯皮尔伯格选择了没有演艺经历的瑞秋·泽格勒做女主角，陌生感反而成了她的优势，而安塞尔·艾尔高特做男主角则不像个痴情种，有时会有一点儿油腻感。

影片对原有故事进行了拓展，解释了两个帮派约架起因，白人移民的动机是工作机会被抢走以及排外心理，波多黎各裔则充满局外人的紧张感和不安感。

他们的眼界也只能看到自己眼前的一亩三分地，于是为了现有利益产生冲突。

加上当年警察腐败，工作机会减少，移民地位不稳定，多重矛盾聚到一次，促成冲突。

60多年后，这些问题依旧没有解决，底层边缘人士依旧为了生存费尽心思。

影片中安妮塔（Anita）差点被强暴、LGBT群体遭受排挤，这些依旧是穷苦人士需要面对的灾难。

丰富文戏重现歌舞，把经典翻拍成经典。

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因为喜欢tonight那首歌一直想看，但是61年版的也只是片断式的看片，每次看到开头没多少就放弃了，看到新翻拍的就很期待，终于等到了！

我觉得电影质感还是很棒的，至少能让我看进去。

以前只是把它当作现代版的罗密欧与朱丽叶，但是这次电影把城市（纽约）社会背景表现出来，不止只是可怜的爱情故事，而是关于社会快速发展和城市更新的大背景下，外来移民在纽约生活格格不入和与底层社会的竞争等等等的故事。

以前学习美国城市更新和旧城高档化案例，我只是片面的了解，认为城市更新和高档化就必然的进程，但是看到剧作者将当时的城市面貌和社会矛盾浓缩在一段爱情故事里，我发觉并不是这样的，这些看似无用边缘的社区里有许多故事正在发生，他们可能是社会的弱势，边缘，底层和少数人群，但是他们也要生活，有亲情，有友情，有爱情，有梦想。

虽然没有完整看完61年版的，但是从我看到的片段对比，新版还原度很高，如果喜欢音乐剧的还是值得一看的。

西区故事，我最早是买了卡雷拉斯唱的那版唱片，后面看过音乐剧现场，再后面看了奥斯卡那版电影，再是在网易云听了这版soundtrack，太好听了，超过之前所有版本，最后看了电影，也很满意。

不必纠结剧情，谁都知道是个老套的故事，又是音乐剧改编的，剧情有些无脑很正常，所有的音乐剧，歌剧都这个德性。

西区故事音乐的伟大，在于脱离剧情，表演，画面也完全可惜撑起整个故事。

至于其他的，就当是免费送的吧，当mv看。

然后再评价里面的表演，唱段，画面，你会觉得是杰作。

那么晚还不睡，是的，说明我今晚high 爆了[破涕为笑][破涕为笑][破涕为笑]，本着不看评分和“影评”，作品好不好，自己撸片自己说的算的觉悟，今晚撸了《西区故事》。

为啥不先撸1961，要先撸2021，是因为我知道杰罗姆·罗宾斯会更贴近原作，毕竟他百老汇出生，舞蹈本行对于我来说，很容易理解，最好的状态一定要留给最难的（虽然2021评分最低[破涕为笑][破涕为笑][破涕为笑]）--1961：确实最“尊重原作”，更舞台化。

2021：更电影化，空间调度很赞，行云流水，过瘾的很，（电影化的优势）史蒂文·斯皮尔伯格的强项。

这次斯皮尔伯格在尊重原作的基础上，结构，顺序，方法，立场，对原作的解读，都做了“很多”的改动。

（很冒险，毕竟西区太经典，原著党能不能接受是一回事，对于想看到新东西的老观众，要提供什么样的细节，和角度），说实话，斯皮尔伯格做的很好，并且更好，解读更丰富了。

其实，都是西区，同一个故事，但是，说的确实是一个60年故事的“延续”，从前的他们，“教会”了我们？

还是从前的他们，教会了我们！

1.最直观的，从舞蹈语汇上来说，1961和2021表达的意思是不完全一样的，2021融入了更多的舞种元素来表现美国多样化，和更多的现代舞来做内心表达。

2.配乐更丰富了，途中我还在思考斯皮尔伯格把配乐改的那么“复杂”，是因为现在的孩子们接受信息，和感知的能力更快更丰富吗？

3.两个版本对“移民者”和“本地”，“困境”的解读都不太一样，细微之处导致整个影片的内容有很大的“差别”。

4.1961更直白，斯皮尔伯格把这些矛盾放的更大，有些不好说的话，却又更隐蔽了，希望能让人快速捕捉到，“却又不想被人捕捉到”。

5.斗舞部分，我个人最喜欢1961，毕竟斗舞嘛，罗宾斯解读更专业点，斯皮尔伯格在“舞”这块，从开始第二段舞蹈换成“地盘圈舞”到结束，构思和对“舞”的理解和表达，也是没问题的，我个人是接受和明白的（其实，他这个版本更容易懂。

）6.重唱的电影化，节奏把握也是斯皮尔伯格的最好，重唱对于歌剧，音乐剧，歌舞剧来说真的太重要了。

（重唱是每个作品中，我最期待和最重视的段落）7.斯皮尔伯格用心了，60年了，（美国，世界）进步了多少，拥有了多少，这种（更多的）隔膜还在，反而更变本加厉了（相对论？

），哎，用心了。

温馨提示：这片如果真的看太久，不太记得了，我建议两部连着刷，不然斯皮尔伯格有些“弱剧情”处理，真的会解读错误的。

（有时候，剧情弱，可能是我们自己的问题[抠鼻][抠鼻][抠鼻]）。

最后，歌舞剧电影化，不得感叹光影的魅力真的太大了[哇][哇][哇]